趙無極～是否天下無敵？

趙無極《1985年6月至10月》，油畫畫布(三聯屏)，280 x 1000 公分 

「幻化的領域是『無極』

沒有邊界倍添動力
虛空擁有一切
根本乃是所有
幻化中舞動更無敵」

每次聽《天下無敵》(詞 : 唐書琛、唱作 : 盧冠廷 ) 這首歌，尤其是聽到以上一段時，總覺得這首電影主題曲，是特別為抽象藝術大師趙無極(1920-2013)而寫。(看MV）

趙無極說：「我的畫反映了我所經歷的一切。」攝於1967年。

出生於北京傳統書香世家，身為家族「長孫」的趙無極，名字由祖父取自《老子》，像冥冥中安排他一生，會有無極無限的成就。在八十年代，趙無極在六十多歲時，踏進「無境時期」（Infinite Period) ，此昇華階段之畫作，將西方抽象情感與宇宙天地融合，無邊無界隨心之所往，虛空光影浮現夢境之追尋，幻變莫測的稀釋油彩在幻化中舞動，天與人合一，循環不息，影象呈現著老莊的哲學，無常中擁抱著天地的奧妙。

趙無極《1985年6月至10月》以5.1億港元成交。

趙無極的作品，近年落搥價往往令人嘩然，正如這一幅 —《1985年6月至10月》（英文：Juin-Octobre 1985 ) ，以5.1億港元 (連買家佣金) 成交，又刷出了新紀錄 （香港蘇富比秋拍 30. 9. 2018「現代藝術晚間拍賣」) 。對於大部分升斗市民來說，億億聲港元這些天文數字，只代表收藏家的財富又增值了，但這又與我們何干？相信這是大部分人的看法。不過，當一幅畫能真正感動人心，相信意義又不同了。

很欣賞一位資深藏家的說法 — 喜歡趙無極作品，與它的價格無關。「現在大家習慣從價格去理解他，但趙無極之於我是真心喜歡，不是因為他美術史地位有多高，或作品可以增值。」對這類收藏趙無極數十年的藏家來說，感動他們的是一份成長的感情，一份經年培養的和諧關係。

趙無極與貝聿銘，1976年© Françoise Marquet

八十年代「無境時期」代表作

且把前中期階段略過，將 Timeline 聚焦八十年代，那確是趙無極人生重要的另一頁 — 這段是他經過三十多年旅居異國後「東歸」及衣錦還鄉的年代。他於1948年離開中國赴巴黎，1964年入籍法國，六、七十年代成名於歐美，繪出讓西方人驚艷的東方意境抒情抽象油畫。1981年他於法國巴黎大皇宮國家美術館 (Galeries Nationales du Grand Palais) 舉行回顧展，成為唯一攀登此殿堂級地位的華人藝術家，該展更巡迴於日本、新加坡及香港展出，唯在當時的中國，趙無極仍是寂寂無名；同年，他與「潑墨」大師張大千於台北再相遇，為他的抽象風格注入新靈感； 然而，他受建築大師貝聿銘委約，於北京市郊香山飯店繪製的潑墨鉅作，大抵由於當時他的名字還未夠響亮，並未贏得一致好評，對於以赤子之心回饋故鄉的藝術家來說，感到有一點不是味兒，直到1983年得以在中國美術館及母校杭州藝專舉行個展，才算吐氣揚眉。

趙無極《1985年6月至10月》展出於新加坡萊福士城

@Courtesy Foundation Zao Wou-Ki

這幅刷新紀錄的《1985年6月至10月》，正是八十年代中期的作品，話說背景是他再度接受摯友貝聿銘的邀請，特別為新加坡萊福士城（Raffles City）創作的公共藝術。由於該壁畫懸掛於大堂中央，在仔細商討下尺幅敲定為高2.8米、闊10米，因而成為藝術家歷來最大、且氣勢最磅礡的作品，至於將之分成具強烈宗教感的「三聯屏」（Triptych)，令觀者仰望時頓感神聖莊嚴及心靈淨化，足見藝術家至情至性的雄大願景。據說在浙江美院完成了三星期的講習班後，趙無極隨即趕回巴黎，花了整整五個月的時間完成畫作，並以此命名；在未送到新加坡前更率先展出於巴黎，且將之印於畫冊封面，可見他亦視之為得意𠎀作。

《1985年6月至10月》細部

《1985年6月至10月》細部

細看《1985年6月至10月》，仿如天地盤古初開，不同色調的藍色連接著三幅畫面，一抹玲瓏通透的翡翠綠從左邊捲起，留白之處乍現光影，畫面中央呈現放空狀態，天崩地裂之際又泛出姹紫嫣紅，一股宇宙無垠、神秘莫測之美貫穿了畫面；色彩方面，感覺清亮剔透，放下「狂草期」（1959 - 1972) 之沉鬱感，既雄渾又纖細的水墨筆法一層層將油彩填於畫布上，塑造出洒脫空靈的意境。特別留意到他捨棄了「單點透視」的構圖，反而將重點精心分佈於空間 ，顯見一種天地與我共生的東方宇宙觀 — 抽象畫的神髓就是讀者可以有跟我截然不同的感受及理解。

此作品2005年於佳士得拍賣時，成交為1804萬港元，相比5.1億港元，十三年來躍進逾28倍。由於私人藏家及美術館倍增，趙無極作品一再刷新紀錄，絕不令人意外，加上若以尺寸來衡量，此幅趙無極最大的畫作絕對彌足珍貴。

2003年11月26日，趙無極於巴黎國立網球場美術館身穿法蘭西院士裝束，高舉院士劍。

@Photo by Dennis Bouchard

畫尺寸愈大，愈能釋放情感

趙無極曾說巨幅的畫才可抒發情感，這與他於1957年36歲壯年時赴美國紐約遊歷不無關係。他直接受到自由奔放的抽象表現主義手法所感染，回巴黎後即開始常以大號的畫布作畫。哀樂中年，逐漸領悟可透過巨幅作品抒情療傷，曾畫了一幅《In Memory of May, 1972》獻給因病自我結束生命的第二任妻子陳美琴，難怪說巨幅畫才是趙無極最具情感的創作。除了第二任妻子，相距約三十年後，他又以《向梵思娃致敬 21.10. 2003》向身為策展人的第三任妻子Francois Marquet 致敬，沒有這位對藝術深具認識的太太，他的藝術之路大抵不會那麼平坦。

趙無極《向梵思娃致敬-三連屏》Hommage à Françoise-23.10.2003 - Triptych2003 油彩、畫布 195×324 cm All images of works by Zao Wou-Ki: © Zao Wou-Ki/ProLitteris, Zurich Photographer: Dennis Bouchard

眾多人生閱歷，令充滿睿智的趙無極深懷謙卑與感恩，遂以巨幅作品向好友致敬，這些友好有初到巴黎便認識、與他合作詩畫創作的法國桂冠詩人Henri Michaux (1899-1984) 《向我的好友亨利．米修致敬1999年4月至00年8月》、啓蒙者法國印象派大師 Monet 《向莫奈致敬1991年2月至6月》、 Cézanne《向塞尚致敬 06.11.05》及現代大師 Matisse 《向馬蒂斯致敬02.02.86》等等，盡顯珍視與友好及啟蒙者的知遇。

到了七、八十歲的晚年，聽說趙無極的生活每天過得十分簡單，就是畫畫又畫畫，午飯十五分鐘就吃完。他們那一代，不為錢而繪畫，只因為喜歡才畫，那些億億聲的市場天價，相信即使他在生也不會多管。

趙無極於我有所啟發，故再一次以《天下無敵》這首歌，向無極大師致敬。

參考：
1）蘇富比網頁：趙無極《1985年6月至10月》
2）你不認識的趙無極 (2017)  今周刊 1084期

演藝學院的《論疊韻》@ 越後妻有 2018

三年一度的越後妻有《大地藝術祭》2018 第一回 51天展期告終，新潟縣的米農將忙於落田秋收，接著隆冬到來，皚皚白雪不久又將蓋滿梯田。回顧此深受香港人歡迎的日本大地藝術祭，今年的突破固然是新設的 Hong Kong House   -「香港部屋」及梁志和+黃志恒取自當地津南町人舊照故事的《津南遺失博物館》展覽。此外，最特別的項目是演藝學院的舞台演出 - 《論疊韻》。該劇眾台前幕後首次拉隊前赴東瀛表演，為期僅得一晚一場（2018年8月4日晚上六時），當天下午官方稱門票早已售罄，再三追問撲飛下，方購得門票。

傍晚來到了由舊校舍改建的場地，這名為「上鄉三葉草座劇場」的場館，全院約只有二、三百席，安排卻很嚴謹。入場觀眾雖非街坊街里，卻需換上「拖鞋」觀戲，感覺怪怪卻十分舒適。

和式觀劇：在玄關口換上拖鞋，自擕背心袋(裝著自己的鞋子) 進場。

演出地點是「上鄉三葉草座劇場」，位於「香港部屋」的斜對面。

「香港部屋」2018

《論疊韻》是數位香港演藝學院學生的實驗作品，作曲甘聖希及編劇江駿傑均令人有刮目相看之感（前者現時已畢業，後者具不少粵劇的幕前幕後經驗，曾獲藝發局2012年度藝術新秀獎（戲曲)）。該劇早於2017年在演藝校內兩度上演，又曾於大館演出精華章節。項目打正「原創粵語歌劇」旗號遠征海外，沒有戴上「粵劇」或「新派粵劇」的舊帽子，可見它的實驗模式已獲藝術推廣處（APO) 之正面評價，也肯定了探索粵劇未來的路線，甚至將此論題帶到日本越後妻有作討論。

《論疊韻》2017年4月首演之製作團隊（場刊截圖）

舞台背景採用藝術家「蛙王」的水墨屏風

西方弦樂 ＋中式鼓樂 + 原創劇本

該劇之實驗性是將傳統粵劇的伴奏音樂滲入西方弦樂，與傳統的中式鼓樂分庭抗禮，西洋的弦樂四重奏由小提琴、中提琴及大提琴組成，取代二胡及琵琶等中樂，劇目《論疊韻》（英文：On Harmony as Such and On the Harmony of Men) 正是指弦樂四重奏及中式敲擊樂兩者之重疊及和諧並存。

至於舞台效果，則特別著重與觀眾的交流，該劇場為西式設計。觀眾俯望台下，與舞台及演員的距離拉近，燈光方面柔和而不太暗，既可看到身旁友人反應，但又不覺嘈雜；舞台設計背景還採用了藝術家「蛙王」（郭孟浩）親臨當地製成的水墨屏風，其創作以即興模式從生活現成物中取靈感，屏風揉合幾何、笑臉與大自然的圖像及符號，跨地域與文化，為舞台添了活力及可觀度。謝幕時旁白主持提示觀眾把手上白紙一齊高拋歡呼，為舞台掀起高潮，觀眾也間接參與了舞台，特別令人印象深刻。

最重要的觀察，想是劇中保留了粵劇傳統元素，但原創劇目卻具時代感。故事描述人物內心掙扎，青年離開家鄉到京城尋找理想，面對生活現實又想起在家千日好，劇本簡潔兼具時代氣息，這類型的原創劇本，在香港過去的粵劇界可說甚為罕有。

謝幕時的藝術家蛙王（左）、作曲家甘聖希(右）

小妹對粵劇認識甚淺，自覺劇中演員演出純熟，反映苦心學藝的成果，唯說到該劇的靈魂人物，始終是作曲的甘聖希。無緣與此位直率敢言的音樂人對話，幸得配合上映之紀錄片《論為學》（李敏聰、王億峰執導），深入地把這位本地年青作曲家寫實地呈現，也令人得以對粵劇發展的未來方向作了一點反思。

粵劇是自明朝嘉靖年間源起於廣東、廣西一帶以唱做唸打及廣東話作語言的民間表演藝術，欲保存粵劇傳統，與護守廣東話文化有必然關係。粵劇藝術的美學深度及韵味，相信人愈年長會愈懂欣賞，而隨著人口老化，粵劇的觀眾必有所增長，傳統粵劇只要吸納年輕化的「任白」或偶像派老倌加入，不仇達不到普及化的目標；然而，另一個發展方向，則是在藝術形式及劇本上革新，更貼切地反映當代社會思潮，帶給觀眾共鳴，也自然地會趨使更多年輕人加入創作或成為觀眾；當然，這樣的藝術形式可能不該稱為粵劇了。粵劇該往那個方向走？相信市場會帶給大家答案。

「我只在創作我喜歡的藝術形式，不在乎它是不是粵劇，不過正好被歸類為粵劇才獲得資助。（大意）」甘聖希在紀錄片中說 — 實實在在道出了創作者的心聲。「粵語歌劇」是否從傳統粵劇中走出來的嶄新表演藝術？ 大家可以多多留意。


註：越後妻有《大地藝術祭》2018 第一回展期已結束（2018.7.29 -9.17)，但在未來兩年，不少展館仍會對外開放，詳情可參考越後妻有《大地藝術祭》網址。另香港部屋在未來兩年的夏日將繼續開放，2019年藝術家為尹麗娟、2020年 為白雙全、胡敏儀及嚴瑞芳。（香港部屋Facebook專頁）

 

山川冬樹～以「心臟」為樂器 @ Para Site HK

藝術家山川冬樹在香港首度表演～Khoomei 具即興成分

「好型呀！」是不少觀者接觸到山川冬樹 (Fuyuki Yamakawa) 的音樂表演後之反應。長髪披肩掛面，總是以全黑衣履出現，體型苗條柔弱卻帶搖滾味 ～外表型格只是虛弱的符號，不足以透視該聲音藝術的內涵。

Khoomei - 蒙古族圖瓦人的喉音唱法

山川冬樹 (b. 1973) 在日本，被稱為 HOMEI ( ホーメイ）歌唱高手及 Performance ( パフォーマンス）現代美術家，雖算是小圈子藝術，卻不乏知音人，原因是他在多間藝術大學任教，不時到各中學作教育，曾拍電視CM廣告（Sony Walkman) ，也經常參加前衛音樂節及舞台演出。不久前他專誠來港，於 Para Site 藝術空間（註）作難得的現場表演，令好些喜歡接觸前衛音樂/藝術的觀眾異常興奮，畢竟在香港這類型的藝術及場地均不多見。

山川冬樹在表演前分享在蒙古學習Khoomei (呼麥)的體驗

HOMEI 意即"Khoomei"，是蒙古族流傳下來逾八百年歷史的一種古老「喉音」唱法，冬樹的 ''Khoomei" 承傳自圖瓦共和國 (Republic of Tuva、南西伯利亞）—  依靠畜牧、居於蒙古包的遊牧民族馳騁於遼闊草原、穿梭山脈河谷，他們模仿天籟 — 山川、河流、狂風、野獸的長嘯、禽鳥的悲鳴，技巧是以「緊縮」喉嚨來發聲，將嗓子化為大自然的聲音，傳至遠方，融入天地，用於呼喚神靈及祖先，甚至與之交流對話；這種自古以來蒙古民族生存的技倆，中文稱為「呼麥」，很久以前已被蒙古人視為國寶。

山川冬樹出身知識分子家庭，畢業於多摩美術大學藝術系，父親是富士電視台新聞主播山川千秋(1933-1988) ，聲音吸引不少觀眾，冬樹16歲時他卻因喉癌漸漸失聲病逝。2003年山川冬樹參加了日本一個Khoomei 歌唱比賽，獲獎後到圖瓦共和國跟隨當地大師學藝五年，方掌握了易學難精的喉音技法，過往十多年他把Khoomei 鍛鍊得出神入化，嗓子甚至同時可發出兩至三個自然界的聲音。

手指敲打額頭如擊鼓，額聲擴大後變成旋律，混合Khoomei 演奏。

鐃鈸 (Cymbal) 被腳掌重重一擊，鼓鈸合奏成精彩樂章。

山川冬樹的表演，是以Khoomei 天籟之聲， 混合自身獨特「樂器」的即興演出。其獨特「樂器」，就是「身體」和「心臟」的聲音，透過「擴音器」傳送人體澎湃激盪的旋律，效果詭異，撼動人心，令人感到驚喜著迷。在演出的第一節，他將擴音器橫繞在眼鼻，左手按住長髮，右手隨心之節奏敲打額骨，擴音器把聲音擴大，發出意想不到的節奏和旋律，每當他跳起用腳掌把鐃鈸（Cymbal) 重重敲擊一下，即把觀眾情緒掀至高潮。

燈火關掉，接著是 Heart Performance ~ 心臟的表演

在第二節「心臟」之表演，他赤膊上陣，舞台上放著象徵心跳的燈泡。他把從「聽診器」改裝的擴音器，貼在胸前位置，微暗的燈光下，閃躍的燈泡與心跳同步，氣氛懾人心魄，他以舞動的身驅輕敲電子琴弦，加上出神入化的喉音低吟，每當深深吸氣，出現稍微靜止的一刻，全場變得鴉雀無聲，再將觀眾的情緒推至另一高峯。

以身體為樂器  觀者亦參與

常常覺得行為表演藝術 (Performance Art) 及 身體藝術 (Body Art) 是當代藝術的先鋒，表面看有不少反傳統及反常規的行為，其實都是對當前社會及政治的反思； 其表現形式可謂五花八門，好些藝術家用身體作素材，以裸體身軀繪畫，如Yves Klein其實是控訴於廣島和長崎投下的原子彈；Mona Hatoum 用自己的指甲、頭髮創作藝術品，為無法主宰個人命運而哀傷，因為作為巴勒斯坦人，中東戰爭使他們流離失所；也有些強忍皮肉之痛，目的是測試觀眾會否袖手旁觀，Chris Burden 七十年代的作品正是反越戰及反槍械。

山川冬樹的表演並非以上類型，雖然他以身體為樂器，也曾連續七十小時作馬拉松式表演，但他的藝術不在挑戰身體的極限。在眾多行為藝術的藝術家中，他與行為藝術之母 Marina Abramovic 可能的共同之處，就是透過自己的身體拉近與觀者的距離 — Marina 用她血肉之軀，山川冬樹則用Khoomei 混合另類音樂 — 表演完了，觀者在離場時帶走了新的頓悟。

「為聽不見的造聲，把看不見的呈現。」（Making inaudible sound audible. Making invisible thing visible. ）在Para Site 表演當晚，山川冬樹用英文向觀眾解釋他的前衛藝術。好些人把生命看得理所當然，但體會過人的生命必有終結時，其實活著的「心臓」就是最踏實的藝術。

山川冬樹曾經在醫院手術室目睹一位七十歳婆婆的心臟手術，原來心臓跳躍時和初生嬰兒同樣充滿生命力。他說：「今晚來了二十六位現場觀眾，如果我把二十六颗心的心跳放大一起合奏，必定譜出美妙的樂章。」懂得欣賞山川冬樹藝術，目前在香港尚屬少數，但願這類型的Sound Art表演在未來更趨普及。

以下為前文提及的 Sony Walkman 廣告片：

 

註：THE IS NO SUCH THING AS SOCIETY: 世界系的想像與敍事 （8月31日-9月1日, 2018)   

參考資料：
1. 藝術家網址：www.fuyuki.org
2. Bold, Andrey (2012) Interview: Fufuyi Yamakawa. From  http://gadaboutmag.com/interview-fuyuki-yamakawa/