INTERVIEW: FIUMANO CLASE AT ART CENTRAL HONG KONG

Art Central @ Hong Kong 

Art Central Hong Kong has returned to the iconic Victoria Harbourside for its highly anticipated fourth edition. Staged from 27 March - 1 April 2018 (VIP day 26 March), the fair features 103 galleries showcasing a broad range of works by emerging and more established contemporary artists. 

The six-day extravaganza caters to avid collectors and art lovers alike. Film and performance art, interactive installations, and a fascinating talks programme foster discourse surrounding contemporary art practices. Around a quarter of participating galleries are from regions other than Asia-Pacific. 

I interviewed Francesca Fiumano, co-director of new London-based gallery Fiumano Clase, which is presenting exciting pieces in booth D14.

Andres Clase and Francesca Fiumano at Art Central HK

Congratulations to Fiumano Clase on making its Art Central HK debut this year even though you had shown here as Orion Contemporary in 2017 and Fiumano Projects in 2015 before the two entities came together. What do you find particularly attractive about Art Central HK?
 

Art fairs are always challenging. We feel the vibe around this fair remarkably positive. In previous years we've met excellent collectors who have bought from us and then came back. We are very optimistic this trend will continue. We hope this year will be great if not better than in the past. Of course, there are other fairs, but we are not as sure about them.

Sam Burford  The Godfather
C- Type Print, Diasec
83 x 180 cm

Guests holding an Art Basel VIP Pass are welcome to drop by Art Central for free.  Do you find the overlap between Art Basel HK and a younger fair showcasing work at a lower price point such as Art Central beneficial? 

I call Art Central the sexy younger sister of Art Basel and more of a 'discovery' show. We have opportunities to show new, edgy works that push the boundaries of contemporary art. Whereas Art Basel offers all these wonderful things, its artists are often all too familiar.

Installation View at Art Central booth

What is the ethos of Fiumano Clase?
 

We want to be a brave gallery recognised by our identity and our choice of contemporary artists. Andrés (co-founder of Fiumano Clase) and I both studied classical art history, and we are interested not just in the visual aspects of the work but also the position of the artist in art history. We only work with artists we are proud to show and those we like to work along with. When I meet an artist and the first time I see their work, my first question is, Do I want it? The next is, Do I know anybody who wants it? It's about really believing in the work we show.

Tell us about the artists and some of the highlights you are showcasing at the fair.

We have selected four artists we think to work well together. Herman Lohe and Joakim Allgulander, both previously from Andrés's gallery, come from Sweden and their tranquil nature-inspired paintings are showcased alongside a challenging installation by Nicole Wassall and the conceptual photography of Sam Burford.

Herman Lohe Untitled Night, 2015
Oil on canvas
193 x 183 cm

Installation View at Art Central booth

Here, this installation entitled Channelling Baroness Von DaDa by Nicole is a triptych paying homage to Baroness Von Freytag-Loringhoven whom, there is sufficient evidence to suggest, if not the real artist, was at least a collaborator of the famous urinal artwork of Marcel Duchamp in 1917. The installation poses the question of how female artists have been overlooked by the art world, how they are not given credit and are frequently ignored in the history of art.

Nicole Wassell  Remembrance, 2017
Blackboard paint, Stemple Black paint, 24
Karat gold leaf, glass specimen jar & brass
107 x 36 cm

Nicole Wassell  Channelling Baroness Von DaDa, 2017

Nicole Wassell and her works

Flying Geisha Girl - Pure Geisha, 2014
Hand-finished silkscreen on Somerset 100%
cotton rag paper
112 x 76 cm

Nicole Wassell and her works

Installation View at Art Central booth

Sam Burford, who is now doing a Ph.D. at Chelsea College of Art & Design, works on the classic movie and is fascinated with the process of watching images on a screen and the way our eyes read different colors and light. He starts by producing time-lapse photographs of cinematic time using specially constructed cameras. From here, the artist employs techniques to generate ‘portraits’ of iconic movies. In Citizen Kane, he has taken styrofoam and cut a replica of the photographic image, turning the flat medium of cinema into a 3D object.

Sam Burford, Citizen Kane. Image courtesy of Fiumano Clase

How do you balance the commercial pressures of showing at the fair?
 

When you are working in a booth like this which is around 40m2, the whole concept is to show the identity of the gallery alongside the character of the artists in a harmonious way, rather than a jarring way. Aesthetically, we try to make combinations – the more tranquil paintings, the contemporary photography, challenging installations, and difficult works – our four artists represent the ethos of our gallery as well. Realistically, we have an accessible price point; here our most expensive piece is Herman Lohe’s Untitled Night, priced US $17,000.

Francesca Fiumano with Sam Burford's The Godfather

Has 'local taste' come into play in the selection process of your Art Central HK artists? For instance, do you find that the HK market finds specific types of work particularly appealing, and how does this differ to what you would select for a London fair?

I don't believe collectors of a nation or area are homogenous. Each time we prepare an exhibition in a different country, we consider which artists will work well together. I think each collector's taste is very individual. Indeed it's tough to pinpoint a distinct style that any one nation, area or city particularly likes. At Fiumano Clase we work hard to understand what each collector's taste is. Through time, the collectors we deal with tend to have a similar interest in art as us.

Has your customer base expanded after your participation in Art Central? Who would you say is your target market in HK and what are its tastes?
 

The majority of our clients are European because we are based in the UK, and London is a superb hub for art. Yes, now Art Central increases our customer base. The customer split here is about half expatriates and half locals. In 2015, we sold to a gentleman from Macau, a gentleman from Shanghai, and a gentleman from Hong Kong. For us, it is more an HK market than the Asian market.
Regarding the demographics, you can never tell. To our surprise, Sam’s classic movie photography is appealing to the locals and not just the expats. We’ll say art taste is not a science!

草間彌生～ 生日快樂，祝願世界和平

草間彌生最新個展@松本市美術館 （Twitter）

日本水墨書畫家相田みつを(Mitsuo Aida)以寫哲理書法馳名，他有句傳頌日本、勉勵眾人的精句：「一生勉強，一生青春。」（日語漢字「勉強」意思指學習），指常青之道在持續學習。套用在今天89歲壽辰的草間彌生（Yayoi Kusama) ，她的長壽秘訣則是以持續藝術創作，治療長期性的幻覺及驚恐強迫症。

松本市美術館藏品：草間彌生 《原爆》1954年
25 x 16.7 cm
Photo Courtesy 松本市美術館

這位生於1929年3月22日長野縣松本市的藝術家及傳奇女子，自少雙親不和及患病，經歷二戰日本戰敗及原爆，1957年28歲時與思想封建的母親決裂，離開從事苗圃生意的富農家庭，隻身赴美尋夢，在紐約期間(1958-1973）以繪畫、裝置及行為藝術等鋒芒畢露，成功作品如波點(Polka Dots) 、無盡的網(Infinity Net)、鏡房(Mirror Room)等，常被人津津樂道。回歸日本老家後，自1975年自我放逐入住精神病院，始終創作不斷，直到如今依然每天往病院對面的工作室創作文字及繪畫，狂熱如昔夢想如舊，似要用盡未完的精力，怎不令人折服？

把憎厭的東西重覆繪畫

紐約MoMA藏品《Accumulation No. 1》1962年作品

東京國立近代美術館藏品《A Signpost to Hades》1976年作品

一個寂寂無名的日本農村小女子，如何在那叛逆年代及男性主導的前衛藝術之都奇積地綻放異彩？要瞭解草間彌生的內心世界，莫如細閱她的個人自傳： 《Infinity Net: Autobiography of Yayoi Kusama》 —  為何她的繪畫或雕塑總是佈滿圓點？按她自述，原來她視自己的生命為畫布上其中一粒圓點，不但與畫布上其他無限的圓點連接，透過無邊無界的手法，也因此與其他背景及宇宙相連 ，這種獨特的手法及構思，配合鏡子、燈光、色彩等元素，讓其裝置增添了Psychedelic極度迷幻的前衛效果，至今仍叫一輩又一輩年輕的觀眾著迷。

草間彌生談到12歲時已被視聽幻覺侵擾，感覺周遭的動物及植物會發光發聲，甚至變成人臉與她談話，嚇得她死去活來，後來她自我救贖的方法就是不斷重覆地繪畫這些惡魔，同時視之為敵人與同志。同樣，基於對男性陽具的恐懼及厭惡，也使她不斷模仿男性陽具形狀，製成「軟雕塑」展示於她的繪畫或裝置中，如上圖所見紐約現代美術館(MoMA)藏品： 《Accumulation No.2 》（累積系列)，以及東京國立近代美術館藏品： 《A Signpost to Hades》 （往陰間的路標） 。

不求「卡娃兒」，祗願世界和平

相信由於少女時成長期沒有好好渡過，促使草間彌生產生創作可愛作品的動力。大眾最愛談論草間彌生人氣兼色彩斑爛的作品「大南瓜」，還有同樣逗人喜愛的「圓點小狗」，總覺得她與村上隆及奈良美智同屬日式「卡娃兒」一派；對被指「可愛」，草間彌生似乎蠻反感，原來她從不以「日本藝術家」自居，更希望率性而為，做一位具國際視野的藝術家，不被任何框框所限。當然，熟知藝術家被幻覺及焦慮煎熬的背景，也不會有此誤讀。

草間彌生 《幻之華》2002 @松本市美術館

草間彌生的小狗作品 《從松本到未來》2016 @松本市美術館

草間彌生位於東京新宿的個人美術館於2017年開幕，每年舉行兩次展覽，入場門票需在網上預購，最近兩個月的門票已售罄，令人望門輕嘆，可見她如何風靡日本。作為草間彌生的故鄉及創意啓發地，松本市美術館亦於2002年開幕，其中藏品草間彌生1954年的《原爆》令我份外深刻。據說草間在赴美前，曾將數千作品捨棄，令此作品特別彌足珍貴。

這幅採用水墨、樹膠水彩及粉筆創作在紙上的小畫作，筆墨細膩，畫中呈現猶如少女頭、蟲和植物的合體，也似將少女的痛苦與原爆比擬。現時，松本市美術館正展出其最新個展—『草間彌生 ALL ABOUT MY LOVE』(2018年3月3日至7月22日) — 開宗明義闡述了藝術家期盼宇宙和平的大愛與理想。顯然，經歷過戰爭，藝術家祝願世界和平，世人珍惜有限人生。

註：草間彌生自傳： Infinity net: Autobiography of Yayoi Kusama, Tate Publishing 2011

本地 Sculpture Park ~ 談「不起眼」的雕塑

在天馬公園文化廣場中，最不起眼的雕塑作品之一可能是Tracey Emin 的《A Moment Without You》，高13呎共五支分散的桐柱，每支瘦長圓柱頂部均佇立著一隻仿真的鳥兒，雀仔的體積沒有變大，加上高於視線，肉眼所見便顯得細小。作品與沿海草坪上其他體積較大的雕塑相比，令人會「睇漏眼」。當然，多得有繽紛耀目的大南瓜，命名為「藝遊維港」(Harbour Arts) 的香港首個國際戶外雕塑展得以成為近日「打咭」熱點。

Tracey Emin 《A Moment Without You》 2017

Tracey Emin  作品沒有嘩眾取寵

低調的《A Moment Without You》特別引起小妹興趣，皆因得悉藝術家所思念的 " You " 正是她的摯友—於2017年去逝的鄧永鏘爵士(Sir David Tang)，這兩位名人的友情讓我憶起 2016年Art Basel Salon 一場擦出火花的藝術激辯，三位對談者正是Tracey Emin、David Tang 和 Tim Marlow  （「藝遊維港」策展人之一）。論壇以藝術家Tracey Emin 的藝術歷程為焦點，引發出創作方式（Art making process）及詮釋  (Interpretation）的舌劍唇槍。鄧爵士欲將Tracey Emin 作品放射在投影機上逐一討論，先讓觀眾說出理解，再讓藝術家闡釋原意，比較兩者之差異，這種藝術欣賞方式，是否屬於Old School見仁見智 ，但Tim 顯然對Artistic Practice更感興趣，鄧爵士雖多番反擊仍不獲接納，祗得沒趣地沈默下來。

草間彌生 《Pumpkin: Big》2008

其實，兩人的導賞角度，理應沒有互相排斥之處，因為理解了藝術家的 Artistic Practice 或如何開始創作，對作品的Interpretation層次會更豐富。那次對談中，藝壇地位顯赫的Tracey Emin表示創作已步入了另一階段，日後將專注於繪畫，亦會多造雕塑，換言之是從昔日煽動性的前衛裝置回歸傳統媒介，此件獻給亡友的雕塑，以象徵自由的雀鳥向故人致意，亦含蓄低調得有道理。

大南瓜：深得女人心

在今次的戶外雕塑展，策展人—  Tim Marlow （英國皇家藝術學院藝術總監）與南條史生（東京森美術館館長）—  帶來的實物雕塑中，以一比一體積形狀出現的可不少，除了Tracey Emin 的雀兒，還有Antony Gormley 的抽象人體塑像、Mark Wallinger 的3D打印仿真白馬 — 均為大師們標誌性（Iconic)之手法，讓平日不曾進入畫廊、美術館或藝博的普羅大眾，也像上了難得的藝術課，以後看到該藝術家的作品，也認得一二。

策展人最成功一著，無疑是情商草間彌生（b. 1929) 的波點大南瓜 《Pumpkin: Big》展示於我們的維港海旁，令觀者猶如置身直島海岸。常常在想，為何長居於精神病院的「怪婆婆」草間彌生作品特別討人喜歡，連向來藝術冷感的人也來打咭拍照？是那率性而為卻艷麗的色彩？是六十年代獨闖紐約的女性奮鬥故事？還是因為她的作品在拍賣場賣得天價？無論如何，大南瓜老幼咸宜，深得人心，成功成為雕塑展的焦點，牽頭帶動對其他作品的興趣。

Michael Craig-Martin 《Gardenfork (Magenta)》2017

被譽為「英國藝術教父」的Michael Craig-Martin (b.1941) 擁有爵士銜頭，曾於倫敦 Goldsmiths 學院任教，是一眾 YBAs (Young British Artists)包括Tracey Emin 的恩師。是次展出由鋼條鑄製的《Gardenfork》紫紅色園藝叉，非欲透過形狀效果引人注目，反而是借製作貌似工具的雕塑，引發關於實物、想像與認知之間的辨論，挑戰製作實物為主導的西方雕塑傳統。有評論認為由此作品聯想到他早期的經典之作《An Oak Tree》 （1973) ，在作品中他將一杯白開水命名為一棵橡樹，強調觀念可改變物件的含意。此園藝叉作品似是而非，表裡不一，期望觀者再三回味觀念想像與視覺現實的關係。

Jenny Holzer 《常理 ：金錢造就品味》2013

Jenny Holzer 《常理 ：孤獨讓人感到充實》2013

作品融入生活不顯眼

另一位概念派藝術家 — Jenny Holzer  (b.1950) 的文字作品《常理》，則埋藏於四張白色大理石長櫈，仔細觀察下才發現藝術家的精句隱約地刻鑄在石面上。自開始投入創作，Jenny Holzer 便鍾情以文字作為藝術語言。《常理》（Truisms) 的語錄創作於1977年，每段語錄祗有精鍊一句，包涵哲理性、社會性及人性，其後開始印於海報貼在街頭，曾製成廣告牌、T恤及LED指示牌，又先後刻鑄於地面、公園石櫈等等的公共空間。2013年《常理》更翻譯成中文在本港畫廊展出，可見跨越時代、種族及文化差異，旨在引發討論、思考與共鳴。視覺上長櫈看來不似一件精雕細琢的藝術品，祗似一張平凡的公園櫈，與天馬公園融成一體，反映這是藝術家苦心經營的創作策略，刻意塑造藝術融入生活的效果。

Mark Wallinger 《White Horse》2013

Antony Gormley 《Daze VI》2016

黑炭矚目卻不嘩眾取寵

在眾多作品中，不能不提到本地薑曾敏富（Matthew Tsang) 的黑炭作品《Before Collapse》。一雙踏著「人字拖」的龐然巨腳，雕塑外層鋪上黑炭，紋理沒有光影反射，置於綠油油的草坪上格外矚目，作品顯然並非「不起眼」，祗是與環繞四周的摩天大樓顯得格格不入。為何特別選用黑炭？原來Matthew 創作時愛探討及採用會轉化消失的物料，當黑炭經過時間洗禮，會轉化為灰燼，喻意人類過度發展及虛耗，現代文明可能已走到盡頭，面臨煙飛灰滅的處境。這份末世情懷雖然帶點憂患悲戚，卻增添了作品的內涵及爆炸力，相信引起不少人的共鳴。

曾敏富《Before Collapse》2017

在此雕塑展，領會到巔覆常態、探索表面與真實的反差、激發思考反省的當代雕塑均令人倍覺深刻，非單把作品體積漲大便成事。

然而這個雕塑公園的存在，畢竟是為大眾而設，不是每個人都喜歡閱讀大量的資料，簡簡單單感受物體的存在，亦無不可。若認同羅蘭巴特 (Roland Barthes) 「作者之死」(1967) 一書的觀點，更會覺得作品的詮釋權，在於觀者而非作者。找個時間帶小朋友來摸摸碰碰草間彌生的大南瓜，渡過愉悅的一天，也是一個角度。

註：

「藝遊維港」Harbour Arts Sculpture Park 2018 ： 22/2 — 11/4/2018

網址：https://www.harbourarts.hk/

在深圳看到： 消失的香港藝術

林東鵬作品～《消失的香港藝術》(2017) - 大公雞佔據天台

深港兩地：同床異夢

過去數年皆往深圳參觀「深港城市\建築雙城雙年展」（簡稱『深雙』或UABB），觀察所得，當初由官方推動、以探討城市發展為藍本的雙城展覽，今天基本上除了於相近的時段舉行外，並沒有太多連繫，說穿了是各有各搞，免傷和氣。

『深雙』深圳主展場。

回想自第二屆起『深雙』（2007年）加入香港合辦，異想天開地以為兩城可以「拍住上」互贏互補，構想深圳可以從香港模式中學習發展，可是最近幾年深圳一躍成為文化創意及超級電子商貿企業總部，問鼎珠江三角洲的老大哥地位，需向香港借鏡之處，愈見減少。2017年第七屆『深雙』深圳方面以「城中村」為主題而命名「城市共生」（Cities, Grow in Difference)，為融合「保育」與「發展」兩個目標，提出探索性的策略及方案。

地標性作品：「傳統」與「發展」合體字，極為搶眼

深圳方面傾盡人力物力，早於2016年春官方便收集策展建議方案，十月已敲定重量級策展人團隊（藝術界侯翰如、建築界劉曉都和孟巖）提出的計劃書 ； 反觀香港這邊廂的雙年展約開幕前半年才落實團隊，最後以 「城市執生」為題，不但將「執生」(improvise) 視為香港的長處，還將這種「臨急就章」方式，視為解決居住及土地資源的方案，讓人抹一額汗，且感受到本地文化資源之不足。深港兩地早年稱兄道弟，今天雖不致劍拔弩張爭排名，也明顯地同床異夢，難以達成共同關注的議題共識。

「南頭古城」變成了藝術區～彩繪老房子介入民居

「城市共生」認同野蠻生長

我們對「城中村」(Village within the city) 的概念感覺陌生，昔日的「九龍城寨」也可視為香港「城中村」的例子，但這類「無簧管」的舊村落早已消聲匿跡，相信與香港完善的法規有關；反之，「城中村」在中國的大小城市彼彼皆是，由過去三十多年急速的經濟發展促成 — 在深圳，百石洲、梧桐山、湖貝、大芬等「城中村」，昔日的農村演變成低收入工人及所謂「深飄」的落腳點，潛藏著不合法規的建築、安全、治安及低端人口等問題。另一方面，這些村落正經歷城市化過程，也為發展商、地主等帶來利益紛爭，五花百門的議題為策展人提供充足的靈感。

值得留意，策展團隊提出了「城市共生」角度，探索改善生活策略之餘，開宗明義對這些「髒亂差」的「城中村」採取包容態度，認為這些「野蠻生長」的城中村雖雜亂卻充滿生機，比起千篇一律的全球化都市，反而多了濃厚的風土人情趣味。

同是壁畫 空櫈被撒

壁畫作品《五穀豐登》

深圳這邊廂的『深雙』選址於有一千七百多年歷史的「南頭古城」作主場館，此城本身也是「城中村」，混雜了原居民及各式各樣的流動人口。透過藝術介入，該村面貌正陸續改變，穿過建於明朝的獨特城門，不少老房子的外牆被繪上朝氣勃勃的壁畫，如傳統農耕主題畫《五穀豐登》，便以色彩斑爛的線條創新演繹，夾集於高低紛亂的舊樓群，份外奪目 。看此壁畫，不其然憶起早前藝術家胡家岷「被消失」的作品《時差》，確實令人戚戚然難以釋懷。該幅繪於關帝廟外牆的大型作品，由於繪上紀念劉曉波的藍色空櫈，展出了半天即被隱閉，也找不到策展人作出回應。現場所見，由於傳媒的封鎖，一般內地觀眾都被蒙在鼓裡，沒察覺有些壁畫被屏敝了，也許他們即使曉得，也未必對政治審核那麼深痛惡絕。


藝術造城： 看香港藝術家「被消失」之作

在香港尚未有政治審核那回事，藝術創作便沒有制肘了？原來又未必！今次在深圳這邊，竟然看到一個曾經在香港被撤銷的項目— 林東鵬的《消失的香港藝術（三）》。作品置於一幢舊廠房的天台上，所見影象如同上演一齣寓言故事，被捏破的大飯碗碎片、主人翁還有無家可歸卻逃出生天的公雞和小雞、隱居於樹枝上怡然自得的農夫，這批角色處於四周雜亂無章的樓房，竟又產生一種絕處逢生的喜劇感。作品儲存於倉庫數年後得以重見天日，（在『深雙』展出之前，亦已於北京前波畫廊展出。）超現實的體積比例，暗喻以靈活變通應對無常與挫敗。

《消失的香港藝術》- 小農夫隱居枝頭

《消失的香港藝術》- 大公雞逃出生天

《消失的香港藝術》-  大飯碗被打爛

據知作品原屬香港一個群展，因場地主辦者與項目負責人在最後一刻因出現意見分歧而告吹，作品未能在香港展出，今番卻在深圳重現，確是超越一般邏輯與理解。小妹對該展覽詳情不甚了了，因何演變成亂局？亦找不到更詳細的資料，唯一可知，是作品名為《消失的香港藝術》調子沈重，似在反映香港七、八十後世代藝術家對前途的迷茫，然而該作品卻在內地找到出路，著實教人反思，可見世事無絕對，不是簡單化非黑即白的邏輯。



註：「深港城市\建築雙城雙年展」深圳展至2018年3月15日

Ink Art ~ 此處無墨

「這『水墨』無墨，成何體統？」我幻想著宋徽宗(趙佶)— 著名書畫家兼亡國之君—倘若泉下有知，得悉現今被稱為『水墨』的藝術 (Ink Art) 沒有採用『水墨』作媒材，必然大興問罪之師，或以其獨創的「瘦金體」行文怒下聖旨訂立『水墨』法規亦未定。然而，「水墨無墨」此說法，在當代『水墨』藝術領域不但不足為怪，還可能是時代變遷的趨勢。

如何介定「什麼是水墨？」聽來似覺是老生常談的討論，但隨著近日以『水墨』為主題的展覽或藝博湧現，對水墨不熟識的我也上了一課。「是廣義一些好？還是狹義一點恰當？」我相信向來鍾情『水墨』筆法的藝術家有其執著，而策展人又可能會站在較寬鬆另一立場。假如將『水墨』定義為一種當代藝術體裁（Genre)，不拘泥於書法或山水形像，但凡演繹了中國文人思想神韻意境，而非局限於媒材（水、墨、宣紙）之應用，這樣的詮釋也許可引發更有意思的討論。綜合近日所見幾幀「無墨」的水墨作品，有所頓悟。

似水似墨  非水非墨

水墨多媒體藝術家吳少英（Cindy Ng）的《流光系列 05》乃一項光影裝置，利用光與影代替傳統所用的水和墨，來呈現流動且詩情畫意的水墨畫意境。從事水墨創作二十年，對水墨的應用本已十分精鍊，但她反而故意捨棄水墨，利用與水墨完全不相關的現成材料（廢棄空樽、手電筒、轉盤）創作，光影緩緩移動，投射於朦朧白紗，讓觀眾穿梭而過，感受流逝的山水意境。據她引用古籍指出，光可視為無形的「氣」，含氣韻生動的正能量，亦融和於大自然天地間 。明明有墨可用而不用，可見藝術家從水墨中解放出來，不再受媒材的覊絆。

藝術家吳少英及其光影裝置作品《流光系列 05》@ Ink Asia 2017

吳少英故意顛覆水墨的應用，是一項挑戰傳統的實驗創作； 同樣，書法是否必須寫在紙本之上？國內知名藝術家金峰，經常以金屬製成書法字，創造混合素材的視覺藝術。作品《新青銅時代No.2》(2014) 以青銅雕出書法字，再砌成摹擬竹簡的立體雕塑繫於牆上，飛躍多姿的書法投影出美妙的光影，傳遞了中國文人的藝術語言，唯非傳統的書法墨韻，是否該貫之為『水墨』是見仁見智。一般而言，畫廊及藝術商人不會熱衷為作品下定義，只要作品獲藝術市場接受，所謂「有價有市」便成。從藝博主辦者的角度來看，將水墨拓展至更寬深的層次，結聚更多作品於一爐，增強藝博的可觀性，亦無可厚非。

金峰《新青銅時代No.2》@ Ink Asia 2017

馬唯中：『水墨』是美學

市民大眾也許寄望權威為我們下定義。作為香港西九文化區的當代美術館 - M+，將水墨藝術作當代視覺藝術介紹給公眾，以教育為前提，無任何市場包袱罷，該為中肯之言。

「『水墨』～我不看成是媒材，而是一種美學。」〈似重若輕 M+ 水墨藏品〉策展人馬唯中說。從該展作品／藏品的選取，觀察到策展策略取中庸平衡之道，追求水墨意境之餘，聚焦於創新的水墨筆法及多元素材 — 如台灣的莊喆集筆、墨與塑膠彩及紙張拼貼於一身、香港「蛙王」郭孟浩 (Frog King Kwok) 以燒焦的紙張混合水墨營造渲染效果、劉國松在畫面撕下紙筋突顯白色線條的經典技法 — 大部分仍是以紙本作品為基調。

權寧禹《無題》(局部) @  似重若輕 M+水墨藏品

白南準《平方根》(局部)@似重若輕 M+水墨藏品 

展覽獨到之處，是不忘將始於上世紀中葉的水墨畫革新，與西方藝術的影響串連，更特別展出多幀日韓傑作，以求更精準地為書法作詮釋，涵蓋了字跡、符號、筆劃的定義 —白南準(Nam Pune Paik) 調皮地用藍色雙頭筆隨意一勾的《平方根》（1961）、權寧禹  (Kwon Young-Woo) 以一塊塊紙代筆的《無題》(1982) 、以及林壽宇( Richard Lin) 意境上象徵春夏秋冬四季的《白色系列》（1972-74），均為想像無垠的「無墨」之作，且反映了極簡主義、抽象主義、觀念藝術與東方水墨的微妙融合。另外，李禹煥 (Lee Ufan) 把塑膠彩和膠混合營造蒼勁的橫直筆觸，朴栖甫( Park Seo-Po) 拿起鉛筆在未乾的油彩上重覆畫上符號，彰顯兩種物質對峙的張力，這些韓國著名的抽象單色畫 (Dansaekhwa) 均令人視野大開，跳出黑白畫面的框框，可見水墨風格固然不僅止於黑白，亦無國界之分 — 美藉畫家Nick Mauss 的釉面陶瓷、印度畫家 Krishna Reddy 的水彩紙本亦同被展出，進一步展示了策展人的審美世界觀。

無墨的錄像與裝置

邱黯雄《江南錯》單頻道有聲錄像@ 似重若輕 M+水墨藏品  

從媒體取材角度看，邱黯雄的錄像最令人思量琢磨 ，且一再勾起對『水墨』定義的疑問 —錄像 （Video Art) 是否水墨呢？藝術家自2005年起嘗試結合傳統水墨藝術與錄像的創作，有別於他大部分以水墨繪製的動畫，此作品《江南錯》(2005) 則是完全「了無水墨」素材的攝影錄像， 畫面呈現樹枝與空間的黑白影像，靜止不動的孤樹，偶有鳥兒飛翔及棲息其中 ，十多分鐘內捕捉時間的流逝，以及愉悅和諧的大自然靜態。作品以『水墨』貫之，顯然是中國山水風景畫的美學有關，回應了馬唯中提及「不重媒材重美學」的觀點，看來藝術家看似放棄水墨，其實只是將水墨的精粹埋藏於心，以更新穎的媒體去演繹水墨的意境。

倪有魚《銀河》錄像畫面顯示手繪過程。

倪有魚《銀河》部分 @ 似重若輕 M+水墨藏品 

假若邱黯雄的黑白錄像看似水墨，那麼倪有魚的《銀河》(2010-11)置裝則是看似無墨卻有墨 — 從門口走入四周被黑色包圍的小方空間，觀者猶如進入漫天星光的宇宙長空，乍看如星光點點，原來滿佈一顆顆磨平了的金屬硬幣，細看每顆小硬幣原來分別繪上小巧精緻的微形水墨山水、人物及肖像。作品靈感源於金融風暴後貨幣大幅貶值，藝術家揶揄眾生紙醉金迷，特為硬幣塑造水墨情懷，歷時近兩年精工細畫，並融於裝置及錄像的表達形式，感染力大增，令人倍覺深刻。


中國水墨藝術歷史逾千年，至宋代為黃金時期，過去六十多年的新水墨畫家又銳意革新，如今的新一代也一直為超越、或有別於前人而費煞思量。驟然想起水墨大師劉國松提到中國繪畫均有水墨的DNA，自自然然便會流露，也許強求不得，欲尋求突破，盼需各施各法，另一位大師王無邪也說：「有水有墨，似水似墨，非水非墨，都是將來水墨畫可行的路線。」此處無墨，無用大驚小怪了。

VR/AR呈現於藝術 ~ 「天龍山石窟佛像」失而復得

近年 VR (Virtual Reality虛擬實境）的實驗及應用以倍速發展，並與日常生活息息相關，除了睇戲打機，還用於診症、醫療、職業培訓、樓宇買賣、健身等等，為各行各業創造商機，不少城市更設有專門的VR體驗區，寓科技於娛樂。除火熱的VR之外，AR (Augmented Reality增強實境) ／MR ( Mixed Reality，指VR及AR的混合運用) 亦大行其道，發展不遑多讓。（註1）這類創造新現實景觀的嶄新科技，如何與藝術研究及文物保護拉上關係，正是本文探討的議題。

科技拉近藝術與觀眾距離

作為引子，不能不提到 Google Tilt Brush  特別為畫師、平面設計師、插畫師等藝術家而設的VR創作工具 。它提供了360度的虛擬創作空間，促使傳統的平面藝術家，跳出二維的思考角度。看跳躍於3D空間的  George Peaslee 利用 Tilt Brush ，重繪現代藝術經典《The Starry Night》 （看片），好玩程度相信連原作大師梵高（Vincent van Gogh) 也想翻生罷。該項目邀請六十位藝術家駐場參與 Tilt Brush 的試用及體驗，讓工具不斷改良，相信將帶來更多繽紛耀目的VR創作。

藝術家以Google Tilt Brush 重繪梵高作品《The Starry Night》（Photo from Art Attack)

另一類VR的應用，目的是為增強觀者的投入感 （Immersiveness)。猶記得已故建築師Zaha Hadid 於香港及倫敦蛇形藝廊(Serpentine Gallery)回顧展帶來的虛擬世界體驗；代表Monumenta 2016 的旅法藝術家黃永砯在其50比1的微縮《Empire 》裝置，攝製了Grand Palais 現場的VR影片，讓戴上 Samsung Gear 的觀眾游走於強烈對比的時空；日本恐怖美學漫畫大師伊藤潤二(Junji Ito) 之個展，特設AR體驗館，讓平面漫畫隨即增強為恐怖動畫；另一VR 平台 Acute Art ，則委托三位頂尖國際級藝術家 Jeff Koons、Marina Abramovic、Olafur Eliasson 站台，分別製作三個VR 項目，以求先聲奪人。面對日益增多的VR/AR應用，觀眾會否變得習以為常？不過，我認為VR/AR/MR具拉近觀眾、藝術品、藝術家之間的距離，也讓藝術更容易接近，功不可沒。

天龍山石窟項目：「數位修復」新里程

北京OCAT研究中心『遺址與圖像』展覽。 第2窟 —虛擬現實展示

第2窟 —虛擬現實展示

其實，在藝術領域中，影像科技若能用得其所，其功能又豈限於觀賞？由芝加哥大學東亞藝術中心啓動的「天龍山石窟項目」，是北京OCAT研究中心『遺址與圖像』展覽展示的兩個項目之一（註2)。該展由著名學者巫鴻策展，他現時亦是OCAT研究中心北京館的執行館長。近日參觀了展覽，得悉一群文物學者專家及圖像科技人員，近年默默耕耘，將VR/AR功能結合3D掃描、影像重塑及電腦拼圖技術，將被毀壞的文物以「數位修復」(Digital Reconstruction) 方式重新組合及建構，讓觀者重見獲復修的石窟佛教造像，將為藝術史、考古、文物保護及藝術鑑賞寫下新一頁，甚感興奮。

『遺址與圖像』展覽策展人巫鴻先生。(Photo from 天龍山石窟項目網址)

追遡石窟造像的流散歷史

天龍山石窟佛教造像，位於山西省太原市西南部，重要石窟共21個，先後開鑿於東魏、北齊至隋唐（公元534 —907)，跨越四個朝代四百逾年。在南北朝這段亂世時期，佛教特別昌盛，造像亦極傑出，雖不及敦煌石窟般規模宏大，卻勝在精雕細琢、造型優雅，可惜該處石窟卻是國內佛教造像被損毀盗竊的重災區。二十世紀初，日本學者組成考察隊往拍相片及記載見聞，令石窟內的佛教造像揚名海外，豈知卻帶來反效果，自二十年代起，造像不斷被盜竊及破壞；截至1940年，大部分天龍山石窟中的造像已流散至日本及世界各地，當時政府一籌莫展，直到1983年起，該處歸由「天龍山文物保管所」管轄，防衛及保護岩壁的工作方展開。

展覽視頻：第21窟的佛坐像， 現存於哈佛藝術博物館。

這些堪稱國寶的佛教造像，被盚竊後輾轉落入博物館及藏家手上，包括著名東京根津美術館 (Nezu Museum) 、大阪市立美術館 (Osaka City Museum of Fine Arts) 、紐約大都會博物館 (Metropolitan Museum of Arts)等，而位於麻省的哈佛藝術博物館 (Harvard Art Museums)，由藏家Grenville Winthrop 的捐贈中取得多達25尊造像，天龍山石窟藏量相信居全球之冠。據資料顯示，流散各地的博物館多達數十間。（註3)
事實上，不少造像不僅身首分散異地，常見缺頭斷臂，損毀嚴重，據知是因當年劫掠者會先切走頭部，然後再回來鑿取佛身，為使無頭的佛身容易出售，無良文物商便將佛身與新造的頭部胡亂接合，風格迥然，格格不入，令人慘不忍睹。

參考歷史照片  匹配石窟龕與造像

要將石密造像回歸天龍山石窟龕裡，本來難比登天，幸芝加哥大學東亞藝術中心，自2013年起，將流散海外的造像部位，以3D掃描方式重新塑造及存檔，至今已為百多個3D模型存檔。另一方面，太原理工大學藝術學院，則負責將天龍山石窟實地掃描，雙方緊密配合進行「數位修復」，至今已完成十個石窟。近代的雕塑研究，除分析個別造像的風格特徵，更需研究造像與周遭氛圍的配合，故此哥大與太原理工兩者的合作，尤關重要。在『遺址與圖像』展覽中，特別揀選了三個石窟 （第2窟、第14窟及第16窟）各以不同的修復形式呈現。篇幅所限，以下僅將展覽所見簡略介紹。

建於北齊（550-577）的第16窟，是天龍山較大的洞窟，該段時期佛像以慈悲優雅見稱，造像呈圓雕線條，有別於東魏時期的浮雕。展覽利用視頻顯示，將存於大英博物館的佛頭，匹配至第16窟西壁佛龕上的佛身；3D掃描技術取得的佛頭模型，表面由密集的三角型構成，紋理精細，覆蓋上石面顏色，力求與原物相似。

展覽視頻：將現藏於大英博物館的佛頭， 匹配至第16窟原屬位置。(Photo from 天龍山石窟項目網址) 展覽視頻：第16窟西壁佛龕，佛像頭部與佛身已結合。(Photo from 天龍山石窟項目網址) 開鑿於唐代（618-907）的第14窟，則可顯示當時臻近登峰造極的佛像工藝。窟內一佛六菩薩，足見當時菩薩地位尊崇，歷史照片顯示，菩薩的薄紗衣理、佈局坐姿均極考究。展覽視頻顯示出現藏於沃茲沃思 （Wadsworth Atheneum) 的佛頭與石窟中央的佛身重新接合，同時也將位於里特堡博博物館（Rietberg Museum) 的菩薩立像， 匹配至西壁原位。

戴上AR眼鏡觀賞第2窟的「數位修復」。

第2窟的展區乃一模擬洞窟現場的照片實境，配戴上特別的AR眼鏡後，可觀賞以「數位修復」的石窟佛龕及造像。建於東魏(534-550) 的第2窟，是天龍山最早期的洞窟，窟內呈方型，該段時期造像以浮雕為主。據知窟內破損約十九處，由於暫未能找到所有遺失的部分，至今僅修復十處，唯對藝術史、文物保育及相關研究者，已甚具參考價值。


天龍山石窟的佛教造像，從被發現至被毀，經歷了一段坎坷歲月，唯昔日歷史不能重寫，如今能以「數位修復」文物的方式，重現文物原貌，無疑是一個折衷方案。據知現時天龍山石窟項目尚在進行階段，尋找及匹配造像的過程仍如火如荼，全球各大博物館亦協力提供訊息，可見文物保育無分國界，教人欣喜。期望日後的VR/AR/MR 應用，從發掘創意、普及藝術，到文物保育，均日趨多姿多采。

註
1) Dachis, Adam, "What's the Difference between VR, AR and MR?", Next Reality
2)『遺址與圖像』牛津大學和芝加哥大學的兩個研究計劃：16/9-31/12/2017 網址：http://ocatinstitute.org.cn/
3) 天龍山石窟項目網址：http://tls.uchicago.edu