【藝術盛會】Meet the Artists（Art Central 篇）2019

卓穎嵐 —  大提琴高唱「媽媽好」

卓穎嵐《AK7 shou3》（2019) 

城市人口經歷不少變遷，說普通話或廣東話的比例也在改變 ，生活中兩種語言不時出現衝突及碰撞，藝術家卓穎嵐（Cheuk Wing Nam) 嘗試透過作品表達這種迷失感。

這個「多媒體聲音裝置」由一只小提琴、一只大提琴組成，兩者均裝上「被解構了」的卡式帶播放機，初看不太明瞭，幸好卓穎嵐現場解畫：「小提琴會loop住唱一節廣東歌，而大提琴則loop住唱一節普通話歌， 觀眾按著這塊銅片製成的「紅外線感應裝置」，力度重一點普通話便大聲一點。」

這兩種樂器的合奏，一點也不悅耳， 皆因大提琴音速被調慢，刻意製造刺耳的音效，猶如城市噪音。那麼，這兩首歌是什麼？卓穎嵐再送上歌詞： 

小提琴唱：「給批鬥，抱著頭退後，十秒便失手」（超人廸加主題曲）廣東歌

大提琴唱：「投入媽媽的懷抱，享不了幸福。」（世上只有媽媽好）普通話歌

此裝置名為《AK7 Shou3》，即「握手」的廣東話注音，隱含寓意不言而喻。卓穎嵐從事聲音雕塑，也會編寫程式；她讀過時裝設計，畢業於城大商管學士課程，專修日本商業研究； 又於香港浸會大學完成視覺藝術碩士。有趣的是， 她說很多技術都是自學得來。

「裝置匯萃」項目～《AK7 shou3》（2019）

畫廊：Contemporary by Angela Li  李安姿當代空間（香港）
http://apluscontemporary.org
藝術家網址:https://www.evilagnivv.com

倉崎稜希 (Ryoki Kurasaki)  ~ 讓亡魂安息

倉崎稜希2016年畢業於九州設計師學院（KDG），亦是插畫師。

日本藝術家倉崎稜希（Ryoki Kurasaki b. 1995) 從網絡或舊資料裡取得亡魂舊照，以細膩筆觸繪出朦朧輪廓，可見他們的真實身份並不重要， 肖像雙目都因被火燒焦而留下兩片空洞，似曾相識的肖像，或許會勾起對某些故人的回憶，因而激起一點同理心（Empathy)。

「我在少年時曾經目擊兩次跳樓自殺的事件。分別是12歲和16歲時，都是在上學途中。」來自福崗的稜希說。如同不少日本人的死亡觀，對選擇自殺的人，他沒太大感觸，反而對於只顧拍照和聊天的旁觀者大感不滿，故此創作了《Blindness》（失明）系列作為回應。

他特別用「打火機」燒焦畫作的部分畫面，猶如進行「火葬」的儀式，讓亡魂早日安息。沒盼望改變旁觀者的冷漠，只求自己心安理得 。

倉崎稜希《Blindness》（2019)

畫廊： Gallery Kogure  （日本）
http://www.gallerykogure.com
藝術家網址: https://ryokikura.wixsite.com/ryoki

印尼Heri Dono ～天使在微笑

印尼藝術家 Heri Dono

Heri Dono（b.1960)  是印尼重量級藝術家，也是蘇哈圖軍政府執政時期（1967-1998年）已開始從事創作的藝術先鋒之一，錄像、繪畫、雕塑，固然無所不能，然而最令人深刻還是獨有的爪哇木偶雕塑及木偶戲，還有由此延伸出來、內藏電子機械的電動人偶。

「裝置匯萃」項目～《微笑天使》（2019）

是次帶來的一組《微笑天使》，胸膛裝有驅動翅膀拍打的電子機械裝置，讓天使飛翔，兼具童真及想像力；Heri 認為天使是超越宗教、最具普世共鳴的符號，置於那個地區也會讓人明白，象徵未來與夢想，是靈感的泉源。這些天使造型精巧面孔靈秀，賦予了雄性象徵，下身都有個「啫啫」，代表豐盛美好活力盎然。

Heri Dono 自八十年代以來參加了超過270個展覽，以及31個國際雙年展，確是一位活躍及多產的藝術家。

《微笑天使》飛翔於展場空間。

畫廊： The Columns Gallery Seoul （南韓）

http://www.columns.co.kr/

藝術家網址 http://heridono.com/

居日韓風：崔雅喜（Ahhi Choi) 夢境成畫

Ahhi 首天作現場繪畫Live Painting。

今次Art Central 裡 Live Painting 第一幅作品。

在藝博裡作Live Painting （現場繪畫）的藝術家最惹人注目—「滑版仔」形象的崔雅喜 (Ahhi Choi b.1983) 也是其一。現場雖熱鬧，但藝術家說他繪畫時毋需寧靜：「我不需要戴耳筒聽音樂，只是填色，不用專注地畫。」由此可知他視繪畫為輕鬆樂事，完全沒壓力。畫到中途，有位路過的大叔好管閒事，建議他該收筆，指出線條隱約留白已足夠，藝術家一笑置之。繪抽象畫就會遇上這種事，誰知豪邁的「粗黑實線」才是他的標誌風格。

這幅 Live Painting完成了。（圖源：藝術家IG)

Ahhi 所繪的抽象圖案，可融合於時裝、布料、運動用品等製成暢銷的設計產品，他亦確擁有網上專門店來銷售。不過，商業設計與藝術性非不可共存。原來藝術家特別多夢，這些美妙的圖案原來源自夢境。「早上起床，第一件事就是用Memo記低夢境的影象。」他說。其他靈感則來自大自然，如好些美國國家公園。他父母是韓藉，他則在日本兵庫縣出生及成長，曾於美國留學，現居於神戶。

左圖：《Untitled AH-96》（2018）Acrylic on Canvas 162 x 130.5 cm

這幅黑白畫源自夢中影象。（圖源：藝術家IG)

畫廊： 白石畫廊  

https://www.whitestone-gallery.com/exhibitions/kz-ahhi-choi-092018/
藝術家網址：https://www.instagram.com/ahhi_choi/



Norman Dreo  - 四百年美術史入畫

藝術家 Norman Dreo 夢想擁有一間美術館。

《My Little Museum》（2019）Oil on Canvas 90 x 336 in.

來自馬尼拉的Norman Dreo 走傳統「像真度高」的油畫風格，然而仍想透過繪畫實現自己的念頭，尤其是現實中無法達成的心願。在《My Little Museum》（高 90 x 闊 336 吋），他意欲刻劃「From Renaissance to Baroque」（從文藝復興至巴洛克時期）四百年間的名畫放進自己的美術館裡，並擔任策展人的角色，選取自己喜歡的經典名畫。作為畫家，又肆意將人物略作修改，例如他把在三世紀基督教逼害時代的聖人Saint Sebastian 身上的傷口縫合；另外，他又把參觀者畫成真人大小，增加觀者投入感。

「對好多人來說，去羅浮宮等美術館太遙遠太昂貴，所以我畫這幅巨畫，代替去真實的美術館。」

畫廊： J Studio Gallery   
https://www.facebook.com/pages/category/Art-Gallery/J-Studio-982459188592272/


註： Art Central Hong Kong 2019 

         日期： 27-31 March 2019
         Website:http://artcentralhongkong.com/

【藝術盛會】Meet the Artists（Art Basel 篇）2019

雙性藝術家JH思考人類的變革

Julianna Huxtable 的作品讓人思考，而非逃避。

駐居紐約的Juliana Huxtable（b. 1987) 有段不愉快的童年，由於天生是雙性人，在保守宗教家庭中被強逼做男仔，青春期胸部漸漸漲大，課堂內外常被取笑和欺凌。2010年由德州轉到紐約發展後，才華橫溢的她終於找到方向。她是個與生俱來的表演者，也是DJ、作家、攝影師及畫家。2015年她參與了紐約新美術館三年展（New Museum Triennal），並被邀於Performa 15 Biennal作表演，環繞性愛、性別、種族、平權、網絡文化等議題作出呼籲，以感染方式取代說教。

《ZOOSEXUALITY》（ 2019 ）畫面充滿視覺衝突與性徵 。

《ZOOSEXUALITY》 (2019) 裝置一角落。

今次特意創作的作品名為《ZOOSEXUALITY》 （2019）佈置得像堂皇瑰麗的富豪起居室，牆上懸掛著不尋常的自畫像，有的出現三對乳房，有些則是人類與動物的互相扮演或演變，再調校迷幻的電玩螢光色彩，與印上陰陽生殖器的黑白牆紙，碰撞出強烈的荒誕感 —藝術家肆意大膽破格，喚醒我們在這個數碼年代麻木的視覺神經。

畫廊：Project Native Informant (London)   

https://projectnativeinformant.com/
藝術家網址: https://www.facebook.com/julianahxtable




 「寄居蟹」藝術家： Aki Inomata

藝術家 Aki Inomata （豬股亞希）

生於東京的 Aki Inomata (b.1983) 自2009年即開始「寄居蟹」系列《Why Not Hand Over a "Shelter" to Hermit Crabs?》（何不給寄居蟹一個『避風港』？），源於對生物動態的研究特別具興趣，發現小小寄居蟹不時移居尋找新穀來居住，也有可能被壯大一點的大蟹逼遷，引發她把自製漂亮的城市系列給牠們暫住。

「首先需要拿真實貝殼做一個CT scan。」Aki 談及製造過程。由於這些透明小雕塑的殻內結構與真實貝殻相同，故此寄居蟹都住得舒適。寄居蟹不時移居，並因應新殼而改變，引發Aki 思索個人的身份價值。她也透過作品質疑一些日本社會現象，例如她以白教堂（White Chapel) 為題，其實是質疑日本人追求潮流，雖只有百分之一日本人是基督教，但卻有六成人到教堂行婚禮。

《Why Not Hand Over a "Shelter" to Hermit Crabs?》-Hong Kong Island- 

畫廊：Maho Kubota Gallery (Tokyo)   

http://www.sabrinaamrani.com/
藝術家網址: http://www.aki-inomata.com/

黃海欣～窩心小品「Museum Series」

黃海欣與鉛筆畫作《Art Basel》(2019)  — 下圖是柏林藝術家組Eva and Adele

《Art Basel》系列畫作

黃海欣（Hai-Hsin Huang) 來自台北，自2013年開始創作「美術館系列」，住在紐約布魯克林區(Brooklyn) 的她經常到曼克頓逛大都會博物館(MET)，擅長以漫畫筆法描繪美術館眾生相，觀察入微，刻劃細膩。

以往冷眼旁觀這些藝術盛會，今次成為參展藝術家，自然倍覺興奮。她特別為現場展示了一幅以Art Basel 為主題的巨型鉛筆壁畫，在迷宮一樣的佈局裡面，人物多達數百，常見的經典藝術品、知名藝術家都融入其中，連藝術品的特徵也觀察到，她説：「藝術品裡特別多鏡子，別以為觀眾到了Art Fair 只看藝術品，一看到鏡子便忙於瞪著鏡中自己的倒影，姿姿整整裝扮一番。」

左：《Art Basel (Yellow)》( 2019)  右：《Art Basel (Dog)》( 2019) 

從收藏家角度來看，黃海欣的繪畫不前衛、也不故弄玄虛或刻意賣弄，就如描繪人生百態的溫馨小品，聚焦於藝博，更容易引起藝術愛好者共鳴；《Art Basel》系列有被阿諛奉承、頭頂乍現光環的藏家、也有花枝招展的貴婦買家、連貴婦狗也盛裝出席，用色鮮明亮麗，筆觸輕鬆活潑又富幽默感，令人莞爾而笑。

畫廊：Capsule Shanghai (上海)   
https://capsuleshanghai.com/
藝術家網址：http://www.haihsinhuang.com/

熊輝～水墨新作與「熊媽媽」合作

藝術家～熊輝 (Hung Fai)

《源I》（2019）水墨紙本，180 x 291 cm

傳統水墨畫講究筆法，顯現筆觸技巧，觀者可看出山水花鳥。屬於當代香港的熊輝 (b.1988) 則擅長抽象水墨，觀者未必看出所以然，但樂趣便在估量及琢磨中徐徐感受。

是次遇上藝術家正在介紹他的新作，驟眼看來猜不著，但是個好玩的遊戲。知道了原來是一個混合了「摺紙」的水墨創作概念，而且每次可邀請一位特別人物「合作」（Collaborate) 。這回他邀請了平日不拈手藝術的母親「熊媽媽」。她是印尼華僑，年輕時從印尼乘船來香港。

《源II》（2019）水墨紙本，180 x 194 cm

熊輝說：「『摺紙』時可勾起往日的回憶。我想起媽媽有許多海洋上流徙的經歷，就構思請她用宣紙摺『紙船』，立體的『紙船』暗喻滿載的過去與昔日的歷史。」當熊媽媽完成作品，兒子便把立體的紙船小心翼翼地打開，沿著摺痕輕輕壓平，放在宣紙上細心製造墨染的效果。這次新嘗試完成了兩幀新作《源I》及《源II》，分別呈現了『紙船』開與合的狀態。

『Collaborate』可以擦出火花，與父親合作過後，就構思怎樣和媽媽合做一件作品。」他說。

熊輝於2013年畢業於香港中文大學藝術系，曾與畫家父親熊海共創《繪畫六法—傳移摹寫之四》（2016）。如果有機會跟熊媽媽分享一下摺紙時的感受及回憶，相信蠻有意思。


畫廊：Grotto Fine Arts 嘉圖現代藝術 (香港)  
http://www.grottofineart.com/
藝術家網址：https://www.hungfaivito.com/

南韓藝術家～吳鐘塑造半隱形「線雕塑」

南韓藝術家吳鐘(Jong Oh）現居於紐約 。

在眼花繚亂的展場，南韓藝術家吳鐘(Jong Oh b. 1981) 創造的Spatial Poetry— 空間的詩篇，特別令人耳目一新！看似「空無一物」— 僅以極幼的魚絲、鐵線、鏈項、金屬條子等塑造隱約浮現的線雕塑（Line sculpture)。

「我的概念是因應這個空間而設計的，樓底中間垂吊極幼的鏈項，左右兩邊牆身都放著相同的線雕塑，反射著另一邊。」藝術家解釋他的「場域限定藝術」(Site specific art)，並希望觀者不要匆匆走過，該以身體慢慢去體驗這件作品，仔細地審視虛實真假，從而建構新的視野。

空間中央垂吊著極幼的鏈項，引來觀者研究一番。

遠看似無物，但角落其實置有「線雕塑」。

《Folding Drawing》的鉛筆線，讓人有「虛則實之，實則虛之」的感覺。

畫廊：Sabrina Amrani (Madrid)   
http://www.sabrinaamrani.com/
藝術家網址: http://www.ohjong.com/

註： Art Basel Hong Kong 2019 日期： 29-31 March 2019 
         Website: https://www.artbasel.com/hong-kong

重溫韓志勳「光的故事」- The Circle is not over

韓志勳先生（1922-2019）是前輩藝術家，一生精彩浪漫，追求完美，然而等不及於亞洲協會（Asia Society Hong Kong) 舉行的大型回顧展《光的故事：韓志勳》（網址）揭幕，於開展不久前（2月24日）離世、令人黯然神傷，相信是無悔人生的小遺憾。（註1）

展場焦點乃韓志勳的代表作《火浴》1968年，油彩、塑膠彩及絲印布本，三聯畫，132.1 x 396.3 厘米。香港藝術館藏

《火浴》於1968年曾展出於香港藝術館 ～ 「中元畫會繪畫雕塑展」（香港藝術館網頁）

韓志勳自幼沒受藝術學院培訓，習畫全靠自學，在同輩們鑽研傳統水墨畫的大潮流下另闢蹊徑，體現了西方現代藝術之精神魅力，無論是噴筆畫（Airbrush) 、絲印 （Silkscreen)，合成品（Assemblage)、抑或是運用簡約幾何的概念均是本土的先驅 。作品兼具有劃時代的巔覆性、 實驗性，下文會透過展覽再賞析； 另一方面，使人錯愕的，是即使熱衷視覺藝術的人，對韓志勳感到陌生者，仍大有人在！終究此展覽，會為觀者帶來初見的驚艷？還是久別重逢後更深的追念？

《光的故事：韓志勳》展覽現場

拜讀藝術家的自述，引證了從五十年代中期的「寫生寫景畫」及「人像畫」，演變到六十年代的「抽象」風格，是他藝術歷程的轉捩點，他曾如此細致地憶述自己的頓悟：

天星碼頭展覽後，我找到了新路向： 繪畫要思想要寫情意。不單是寫生寫實景，而是一種概念。英美煙草公司買了的一幅畫，畫的是林錦公路的一列樹林，我領悟到那些樹給人一種群體的感覺，但同時每棵樹也是獨立的，就好像我自己一樣，我跟一大班人一起繪畫，很開心也很獨立，但每個人都有自己的想法，所以我便繪出那幅啟蒙之作，標誌出我的新視野。（註2）

六十年代中期的韓志勳。

如同不少生於1920年代的香港人，年輕時經歷香港淪陷及國共內戰，追夢是何等奢侈。他少時曾讀私塾背吟古藉，轉讀九龍華仁（1936-1941）每年獲獎學金升學，戰亂期間卻無奈地只能流徙到廣州、番禺及上海等地工作，深感歲月蹉跎。1954年32歲，他決定入職郵政局打政府工，以便全身投入繪畫興趣，追趕逝去的時光，又開始隨陳福善（1904-1995）等師友寫生，參與了「現代文學美術協會」談文化看電影，1964年與畫友合創了「中元畫會」 （The Circle Group 1964 -1972）方便辦展覽找場地 —都是韓志勳自述之故事。

1968年「中元畫會」展覽海報。（香港藝術館網頁）

接著他展開了長達半世紀的藝術旅程，除了那個「天星碼頭展覽」（即第一屆香港藝術節聯展），又被邀請參加「大會堂」落成的開幕群展（1962）。翌年由美藉女教師 Dorothy Swan 女士成立的「雅苑畫廊」(Chatham Galleries) 開幕又向他招手，為他籌辦個人畫展 《hon chi fun - one-man exhibition》。他的繪畫風格一直以來甚受西方人士青睞，運用西方技法時又常以詩詞、佛經等東方意象入畫，遂引起了屬於「現代」或「東方」的討論。

亞洲協會籌辦的展覽《光的故事》，沒有執著延續「現代」或「東方」屬性的探討，而是借用了留法藝術史學家熊秉明（1922- 2002) 之評論：「 在光的粒子的波顫中，我們的畫家（韓志勳」追蹤色的變移。」（註3）展覽串連韓志勳多個階段的代表作，三十幅作品，有迷茫激情之實驗創作、柔情似水的朦朧噴畫、重遊舊地後的拼貼風景，濃縮了其一生96年悠悠歲月的創作故事。

看《火浴》—心胸如著火

《火浴》（1968）該是「本土前衛」區域（Local Avant-Garde) 裡核心之作，這巨幅三聯畫作，以刺目的紅綠兩色衝擊觀者的情緒，遠觀瞥見「方中有圓、圓中有方」之巧妙佈局，又以絲印技法將情書、筆跡、舊照融入塑膠彩畫面裡，呈現隠隠約約的效果，當觀者被吸引走近細看這些內容，卻被色彩震撼得目炫迷茫。他刻意地以理性的幾何入圖，目的是用來平衡內心的跌宕起伏。製作《火浴》時，韓氏正陷入夢想與現實之情感糾結，視《火浴》為「一幅自敍的作品」，也是實驗性代表作。曾經有一位美國畫家朋友Morris Graves（1910-2001）拜訪韓的畫室，見到剛完成的《火浴》時直說「I'm burnt」心胸灼熱得如著了火一樣。《火浴》後來被當時香港藝術館的館長John Warner 向藝術家直接購得，現藏於香港藝術館。也因Morris深受感動，在他的穿針引線下，韓氏首次晉身著名紐約畫廊—Willard Gallery作個人展。

韓志勳太太～藝術家蔡仞姿。

《火浴》採用絲印把沒寄出的舊書信拼貼於畫裡。

此作採用六十年代美國 Pop Art (普普藝術）常用之絲印版畫手法，象徵著叛逆與不妥協。在美國，「普普藝術」起源於對消費物質主義的批判，用於韓氏，則是自身的反思及對傳統束縛之反抗； 他因不滿足於平面，常苦思如何呈現立體空間，去顯現自己的情感 —

「畫境似到水窮處，一定要在二度空間之外推出第三度空間去卸交沉重的情感。於是，石塊、鋼板、 鐵輪、 潑色、殘帖、 狂草、文字都用進畫面。」（註4）

這些概念與羅森伯格（Robert Rauschenberg 1925- 2008）當時運用廢棄現成物 （readymade) 組合的 "Assemblage"（合成物）有異曲同工之妙。曾見過他的《漠風》（Desert Walk 1965）採用了「鐵輪」嵌入畫版，又混合了沙石，以紅黑兩色用草書寫上「風中大漠行」，從運用新媒材角度來看已夠破格，從概念上之隨機性及偶發性來看更覺前衛，可惜未能在本展一睹該作品。

在五十年代中至七十年代，當大部分藝術家在鑽研水墨，思索如何面對西方現代藝術潮流，探求如何承傳及發展中國傳統藝術之時，他則在創作上踽踽獨行，沒有跟隨大夥走，反而以繪畫展露自我情懷，沒有承傳之包袱，可說是少有的異數。

「意欲淵渟」區域展示七十年代的標誌性噴畫作品 。

意趣撩人的《恆淵》（1971）趣味地放在後庭中，迎接觀眾入內探索 。

圓在光中濃聚，也在光中溶解

《火浴》完成於1968年首次百天浪蕩歐遊之前，而展覽中第二個區域 —「意欲淵渟」（Distilled Desires) —則匯集了七十年代以「圓」為概念的大型噴畫創作，在一幅幅特大方型布本上，呈現或大或小的「圓」，有的看似球體，有的看似行星，反正「圓」就是標誌，色彩也極之大膽強烈。

韓志勳曾為他創作的「圓」作解釋：「圓是我，是你...圓如天之雲，蒼茫無極。 」熊秉明也指圓是萬物中最原始、純粹的形象，透過「圓」寫景寫意，而雲、山、水、石和人物都不再需要以實體存在。而且，「圓在光中濃聚，同時也在光中溶解」，透過「光」之明暗移動，觀者可自由地領悟所見的景觀印象，不同背景、經歷、宗教、東西方人士都可以有不同理解。

更有趣味的是，這些「圓」又不乏讓人充滿遐想之作， 韓志勳藝術家太太蔡仞姿（Yanchi) 自然有更獨到的見解： 「所謂圓不外是一個意象，有時只是光，只是氣，只是色痕，但有時竟是隱然的乳暈、陰蕾。 」（註5)

藝術家藉著對圓之迷戀，刻意地擺脫束縛及禁忌，呈現出昇華的情慾，其前衛性在七十年代的東方社會難能可貴 。 《通靈》（1971）以幽暗的色調浮現女性胸部，漸變之柔光顯出洗練的噴畫技術，看似平面又像立體，虛虛實實，令人疑幻似真，究竟是「具象」還是「抽象」？ 看來盡在不言中。

韓志勳，《通靈》，1971 年，塑膠彩布本，132 x 132 厘米。藝術家藏。

韓志勳，《卿卿》，1974 年，塑膠彩布本，168 x 168 厘米，香港藝術館藏。

韓志勳與Yanchi 相識於1971年，五年後於美國內華達州大河湖（Lake Tahoe, Nevada) 註冊結婚，年輕三十多載的Yanchi尚在芝加哥藝術學院求學，兩人的盟誓儀式十分簡約，既沒婚紗也無戒指。1973至76年他每年均旅居美國半年，放下波瀾起伏的往事，以藝術創作為伴，盼望投入恬淡和諧的新生活～「意欲淵渟」相信就是這個意思。 

Yanchi 認為《卿卿》（1974）及《通靈》（1971）是丈夫巔峰期的代表作，噴畫的混色及漸變技術達爐火純青，以《卿卿》為例，畫面中間凝聚一顆白光，向灰矇矇的四周綻放一圈圈不同層次的朦朧微光，游刃著空靈之美，顏料上竟沒有混上絲毫黑色，卻深深顯現穹蒼幻變，灰霧迷漫的詩意。 另一幅《未央》（1974）像晴空裡乍現星球，觀者定神數秒，即可感受球體跳動的幻覺。再者，創作的畫題常會經過細心推敲，以表達更深的哲理及涵意，中文及英文也有差別，例如《卿卿》英文是《Secret Codes》，《素心》則是《Ours Ever》，《通靈》則是《Karma Focus》，再三細味可領略畫題與影象合一的境界。

韓志勳，《未央》，1974 年，塑膠彩布本，168x 168 厘米，香港藝術館藏。

瀑布回憶 豪情如昨

八十年代初，韓志勳的「圓」出現於更巨幅的長方畫布上，用色依然濃烈大膽，延續了他的奔放情懷；到了九十年代則昇華至另一境界，演變成不拘泥形式與格局，再次以自我探索取代「哲學的圓」。 在「處處觀心」（Here, There and Everywhere) 區域，《天水》（1996）及 《一縱》（1998）紀錄了二十年後重遊舊地，以拼貼將昔日回憶融入風景畫的創作。 他以塑膠彩繪出水墨情懷及書法筆觸，畫作的尺寸刻意偏長偏窄，古色古香，顯現中國古代卷軸畫的韻味。 遊歷巴西伊瓜蘇瀑布是藝術家一生中惦掛的重要回憶，那一刻為了尋回不慎掉進瀑布中的攝影菲林，竟冒死跳進激流，幕幕狂妄激情片段回憶湧現眼前，讓藝術家有感而作。

韓志勳，《一縱》1998年 塑膠彩布本，122 x 63 厘米，香港私人藏品。

韓志勳先生一生的藝術旅程，也是戰後本土藝術家的奮鬥歷史。 Yanchi 教我們定神凝視那些圓，看得愈久會看出跳動的效果，圓的魔力，果真永恆。 

也許重溫了太多資料，當我閉上眼睛，腦海中竟然如蒙太奇般浮現韓氏壯年志得意滿、神氣十足的風采形象： 五十年代戴著黑框眼鏡、疾風飆車的郵差哥哥、六十年代在雅苑畫廊與好友呂壽琨品畫暢談的寫生皇子、七十年代初從紐約及南美歸港變身穿窄牛的長髮猛男...那全神貫注投入噴畫的藝術家又再現眼前。

註：

1. 《光的故事：韓志勳》日期： 2019年3月12日 —6月9日。 展覽場地：亞洲協會香港中心麥禮賢夫人藝術館。 
2. 韓志勳《殖民地的現代藝術：韓志勳千禧自述》2008. P.65 
3. 熊秉明 《光的故事》，刊於 1988年 香港大學馮平山博物館《圓緣 - 韓志勳畫》展覽畫冊序言。 
4. 韓志勳 〈畫家自話〉，《 恒迹─ 韓志勳作品集 》2000年。 
5. 蔡仞姿〈韓志勳的畫〉，《 恒迹─ 韓志勳作品集 》2000年。

展覽也要包裝嗎？看顏真卿與齊白石之展

日本人懂得包裝，相信是不爭的事實，雅致包裝內的和菓子雖然未必很對胃口，但由於服務貼心，環境氣氛一流，最終要評分時便給滿分了。早前到了東京及京都，分別觀賞到顏真卿在東京國立博物館（簡稱「東博」）及 齊白石於京都國立博物館（簡稱「京博」）的展覽，有幸觀賞到稀罕的墨寶珍藏，有感顏真卿之展評論一片紛亂，鮮有從策展及推廣角度來談論，因而為文，記下感受。

顏真卿展要包裝嗎？

古代書法家變身Q版人物 - 這方面日本最在行了

  

當顏真卿（709-784）在東博的展覽，出賣「國寶」的爭論愈吵愈烈，人龍就愈來愈長，即使展場安排得有條理，觀眾也算有秩序，還是覺得太哄動了，添了壓力感；另一邊廂齊白石（1864 -1957）於京博的展覽，是紀念中日友好而策劃，相對顯得低調平靜，觀展中段可施施然溜到館中的「前田珈琲」喝一杯。

書法展加插Q版人物製造打咭良機。

東博辦展向來聲譽甚高，該次展覽聲勢及規模不少，展出項目共177件，橫跨平成館兩個會場，碑帖祭文帶來沉重感，如何令嚴肅變輕鬆？便利用了漫畫化的人物肖像作調劑，驟然看到Q版的顏真卿、王羲之、空海和尚，讓人忍俊不禁，也是一種將我們與古人拉近距離的方法。策展者通常不諳推廣，但在此展卻令人另眼相看，從綽頭角度來看，首先以唐朝顏真卿《致姪文稿》為焦點之項目，從台北故宮高調借來，推廣時更強調真跡難求，展期亦僅限約一個月，準確掌握觀眾心理，足見是推廣高手。

東博的顏真卿展場館外。（網上截圖）

針對日本觀眾喜好

該展雖有四國語言（日、英、中、韓）的文字陳述，但策展者的目標觀眾群，始終還是本土的日本人（下文會作解釋）。展覽有教化作用，明治維新以來日本「脱亞入歐」，發展了日本畫（Nihonga) 及西洋畫，不再獨沽一味受中國文人畫的影響，策展者今回讓日本觀眾上了怎樣的一課？是我欲探索的疑問。

展覽的陳述以時間軸分為六個章節，首節談書法演變，接著為安史之亂前，第三節以「唐代書法：顏真卿大放光彩」為標題，當中展示顏真卿書法真跡27件，佔總數不足五分一；第四節則聚焦日本崛起之重要書法家，後兩節分別展示北宋及元明清時代之書法。整體而論，確是名家匯聚，展品條理分明，估量是借顏真卿之書法，展示日本書法的發展與演變，本來無可厚非。

追溯日本的書法，最早是於奈良時期由中國的唐代流入，那時東晉的王羲之特別被推崇； 到了平安時代(794-1182)，日本派出遣唐使，被稱「三筆」之空海和尚、橘逸勢和嵯峨天皇學習了王羲之及唐四家（歐陽詢、虞世南、褚遂良等）； 在平安中期，唐代滅亡（907）後遣唐使制度終結，「三跡」書法家 (小野道風、藤原行成、藤原佐理) 分別在學習和模仿王羲之及懷素和尚，各自創其獨特的風格。策展者透過簡短的陳述，強調日本書法如何跳出唐代的影響及框框，確立出本土的書風。

在策展角度的另一項觀察，是對兩位書法家的比較。展覽名為：《顏真卿 —超越王羲之的名筆》，提出顏真卿優於王羲之的見解，難免令人覺得可圈可點。首先，人稱「書聖」王羲之《蘭亭集序》為「天下第一行書」，《致姪文稿》第二，此為多數人見解；再閱當代中國學者之賞析 — 中國美術學院書法系教授白砥 — 顏真卿在字形的變化及空間形式感上遜於王，但在線條的厚重方面則較優 — 節錄此評論，旨在說明兩位大師各有千秋，不容妄下簡單化結論。當然，若策展者的用意，是為日本觀眾介紹一位名氣遜於「書聖」王羲之的古代書法家，故意用詞誇張一點，這便成了「包裝」的問題 - 以吸引的包裝或標題，爭取觀眾入場，標題所提出的立論，是否有足夠的論據舖陳？看來非策展者所關注的問題，亦解釋了目標觀眾為針對日本人的見解。其實，此「本土化」的角度在國際城市其他公眾大型展覽中是較少見的。

顏真卿書法與日本美學

據知近代日本專家推崇之書道(日本書法)，有其美學準則，其一是文字無需方方正正，其次是理解內容之餘，需細賞字跡的大小粗幼、筆墨的輕重動感，運筆時傾注的情感更極為重要，認為一個書法家下筆時的行為，魅力無可比擬。由此推斷顏真卿澎湃激昂、真情流露的書法，漸漸得到更高度的評價，與此美學觀點日趨受重視有關。

「致姪文稿」（758）由「安史之亂」（755）的衛國功臣顏真卿於悲慟時寫成，與我們常見端正四方的「顏體」楷書截然不同，此篇令人動容之處，是像一本血淚斑斑的史詩，文內：「父陷子傾巢」字字痛心疾首，原因是兄長顏杲卿及十多歲的兒子顏季明，連同家族三十多人均因捍衛國土而被殘殺；更悲憤是親人死後三年，方才找到了姪兒的頭顱及兄長的部分屍骨，為急於替他下葬揮筆寫成的祭文草稿。

顏真卿《致姪文稿》（網上截圖）

此書全文234字，塗沫三十餘字，無損文氣，反而震撼力逼人，即使不太懂漢字，只需理解一點歷史背景，即可以感受當時的激動情感。對於此段歷史背景及家族關係的解說，策展者在此部分反而頗見詳盡。相信把書法視為視覺符號去欣賞，一種情感顯露的藝術表達形式，在日本國內獲得更大市場。

展覽之第五節，提到宋代名人對顏真卿的評價，例如獲得了蘇軾、黃庭堅、米芾等著名文人及書法家之肯定及繼承，均只是寥寥數語，缺乏舖陳和論據，就此建立「顏氏超越王羲之」的結論，無疑令人有「一言堂」之感，缺乏了舖陳與辯論的空間。其後再三細閱，發現展覧原來有個專誠讓中國人看的中文名稱：「書聖之後 —顏真卿及其時代書法特展。」可見策展者選擇以平平實實的標題，面對較熟悉書法的中國人。

不過，藉得一讚的，是上文提到的書法家，無論屬於中國還是日本，均可在展覽中看到其書法真跡或拓本，展品除來自台北故宮，還有全國其他博物館的藏品，策展者具「一件都不能少」的決心，務求把故事說得最完滿，這點確值得欣賞。「包裝」為針對提高入場人數，不言而喻。回到「和菓子」是否合意的問題，無論國內外，觀眾有機會一睹褚遂良筆的王羲之《黃絹本蘭亭集序》、空海和尚的《金剛般若經開題殘卷》、懷素的《自敍帖》、張旭的《肚痛帖》等經典之作，誠難能可貴的一個展覽。

齊白石～須磨氏藏品成亮點

為紀念中日建交，京博之展《齊白石— 中國近代繪畫的巨匠》可說是在絕對友好的氣氛下進行，由北京畫院與京都國立博物館共同策劃，沒有引發爭議（之前亦曾於東博先展出）。那麼，你可能會問，看國畫大師齊白石，何解要往京都呢？答案明顯不過，正是因為該展加入了日本藏家須磨彌吉郎(Yakichiro Suma 1892-1970) 贈予京博的齊白石收藏 。展覽沒有顯著地以須磨氏藏品作為包裝，反而是後來才發現，也算是一個驚喜。

齊白石展覽。（京都國立博物館網頁）

須磨氏這位日本外交官乃知名的齊白石藏家，他以日本外交官身份（1927-1937）在北京廣交藝術家友人，亦因而開始其中國藝術收藏。與齊白石之緣，始自於1928年日本人俱樂部舉行的一個齊白石個人畫展，他稱齊白石為「東方之塞尚」（Paul Cezanne 1839-1906)，在眾多類別中特別欣賞他畫的山水，首幅購入了《松堂朝日圖》，心頭愛則是於北京榮寶齋購得的《楊邊孤行圖》（1924）；是次展覽除了以上提及的兩張，還有以桂林景色入畫的《宋法山水圖》（1922），以及懷念故鄉湖南的《秋水鸕鷀圖》（1924）等共十四幀書畫。

齊白石《宋法山水圖》（網上截圖）

步入四十歲之後（1902-1909），齊白石曾「五出五歸」遊歷桂林、欽州、梧州等地，旅居於山水之懷抱裡，並邊售賣所作的書畫及篆刻印章，猶如今天的旅遊達人。他雖酷愛畫山水，但因應國內市場需求，多畫花卉蟲鳥魚蝦蟹，今天在市場上其作品中以山水畫市值最高，（《山水十二條屏》北京保利2017年12月成交價 約為1.41億美元），可見須磨氏果真獨具慧眼。

齊白石《和平圖》（1952) （網上截圖）

不過，來自北京畫院的齊白石藏品，當然亦有亮點，例如特別具紀念價值的《和平圖》（1952)，齊白石曾將自己所繪的鴿子與畢加索所畫的作比較，對方所畫的翅膀在振動，而他畫的鴿子則在靜態中看出動感，顯示兩位中外大師的互相比拼與欣賞，令人莞爾。對日本觀眾來說，齊白石既有重量級藏家推賞，加上遠道從中國來的藏品，相信此展能進一步提高齊白石在日本的藝術地位。

註： 展期參考 1）顏真卿—超越王羲之的名筆 （東京國立博物館 2019.1.16-2.24）  2）齊白石—中國近代繪畫的巨匠（京都國立博物館 2019.1.30-3.17）日本展覽場館內一般禁止拍照。