BEYOND BLISS AT THE BANGKOK ART BIENNALE

(BAB) explores the concept of ‘Beyond Bliss’ and features more than 200 artworks. Even in predominantly Buddhist Thailand where a large proportion of the population strives to achieve Nirvana - a state of inner peace and blissfulness - the pursuit of happiness should not be taken for granted. The event, which runs from 19 October 2018 - 3 February 2019, enables artists to interpret happiness in their own ways and pursue their own strategies in today’s turbulent world, one in which happiness is often considered fleeting.

A portrait of the late King Bhumibol adorns the external wall of BACC.

Showcasing the work of 75 artists, half of which are Thai, BAB also intends to raise the profile of Bangkok as a regional contemporary art hub. According to Apinan Poshyananda, CEO and Artistic Director of BAB, Bangkok used to be considered the ‘Venice of the East’ in the 19th century. The inspiration for hosting an international arts festival in Bangkok dates back to that period when King Rama V (1853-1910) visited the Venice Biennale in both 1897 and 1907 and was suitably impressed.

Marina Abramovic presented at a lecture at Siam Pavalai, Siam Paragon

20 sites display a wide range of works. The Bangkok Art and Culture Centre (BACC) is one of the main locations and showcases eight long performances by MAI (Marina Abramovic Institute) in the first three weeks of the festival.  MAI’s The Method 2018 is a participatory piece - probably inspired by Zen Buddhism – and fosters silence and 'inner consciousness', presenting the Bangkok audience with the healing power of art. Marina Abramovic herself, known for the epic The Artist is Present (2010) MoMA show, attended BAB to give a live lecture, stressing how slow movements and mindfulness are crucial in the appreciation of durational works of performance art.

Despina Zacharopoulou, Protreptic 2018

Lin Htet, Our Glorious Past Our Glorious Present Our Glorious Future 2018

Other venues include historic city landmarks and Buddhist temples that encapsulate the unique beauty of Bangkok. The site-specific commissions shown here offer viewers the opportunity to appreciate the connection between the contemporary artworks and the sites' rich cultural heritage.

Among them, Nordic artists Elmgreen & Dragset have produced a large-scale ‘zero’ shaped swimming pool which stands vertically on the pier outside the neo-Renaissance style East Asiatic Building where Siamese and Danish trade began. With a diving board placed high above the pool’s curved rim, the hollow artwork wittily questions rapid urbanisation, lamenting the loss of public spaces and the impossibility of ‘happy dives’ for lower-income residents.

Elmgreen & Dragset, Zero 2018 at the East Asiatic Building, BAB 2018

Likewise, French artist Aurele Ricard's mammoth gold-plated LostDog sculpture, an on-going project questioning humanity's loss of faith, is placed outside the Mandarin Oriental Hotel overlooking Chao Phraya. In addition to satirising the notion that 'all that glitters is not gold', Ricard forces the audience to contemplate the meaning of true bliss through an enormous bull terrier covered in gold leaf, which metaphorically represents a disorientated society obsessed with materialism, consumerism and physical pleasure.

Aurele Ricard, LostDog Ma Long 2018 at the Mandarin Oriental Hotel, BAB 2018

Three Buddhist temples - Wat Arun, Wat Pho and Wat Prayoon mostly showcase works by home-grown artists - from mixed-media installations to sculptures and video. Sanitas Pradittasnee’s site-specific piece, Across the Universe and Beyond, situated at Khao Mor, Wat Arun, is a delightful highlight.  A walk in her rock garden, fit with translucent acrylic panels, steel and mirrors, is both thought-provoking and disorientating. The state conveyed is neither of happiness nor sorrow, but an understanding of how small we are in the universe. The piece draws inspiration fromTraibhumi, the most significant literary work from the Sukhothai era (1238 - 1583), on the subject of cosmology. 

Komkrit Tepthian, Arun Garuda 2018 at Wat Arun, BAB 2018

Sanitas Pradittasnee, Across the Universe and Beyond 2018 at Wat Arun, BAB 2018

Many established international artists also offer their endorsement to BAB through their signature works. Yayoi Kusama's polka dot pumpkins are installed in a trendy shopping mall, and Choi Jeong Hwa's inflatable breathing flowers are placed alongside Yoshitomo Nara's iconic Your Dog on the open ground of One Bangkok, an urban development project due to be completed in 2025.

Yoshitomo Nara Your Dog, 2017 (Left) and
Choi Jeong Hwa Happy Happy Project: Breathing Flower, 2016 (Right) at One Bangkok, BAB 2018

Yayoi Kusama, 14 Pumpkins 2017 at Central World, BAB 2018

Even though BAB is significantly smaller than the Venice Biennale, such a city-wide art festival in Bangkok is unprecedented. In a city in which temples and statues of Buddhas are ubiquitous, and where faithful worshippers still find the healing power of contemporary art remote and unfamiliar, this three-month-long festival is nevertheless an exuberant and engaging adventure for locals and international visitors alike. 


On View at Artworldnow

演藝學院的《論疊韻》@ 越後妻有 2018

三年一度的越後妻有《大地藝術祭》2018 第一回 51天展期告終，新潟縣的米農將忙於落田秋收，接著隆冬到來，皚皚白雪不久又將蓋滿梯田。回顧此深受香港人歡迎的日本大地藝術祭，今年的突破固然是新設的 Hong Kong House   -「香港部屋」及梁志和+黃志恒取自當地津南町人舊照故事的《津南遺失博物館》展覽。此外，最特別的項目是演藝學院的舞台演出 - 《論疊韻》。該劇眾台前幕後首次拉隊前赴東瀛表演，為期僅得一晚一場（2018年8月4日晚上六時），當天下午官方稱門票早已售罄，再三追問撲飛下，方購得門票。

傍晚來到了由舊校舍改建的場地，這名為「上鄉三葉草座劇場」的場館，全院約只有二、三百席，安排卻很嚴謹。入場觀眾雖非街坊街里，卻需換上「拖鞋」觀戲，感覺怪怪卻十分舒適。

和式觀劇：在玄關口換上拖鞋，自擕背心袋(裝著自己的鞋子) 進場。

演出地點是「上鄉三葉草座劇場」，位於「香港部屋」的斜對面。

「香港部屋」2018

《論疊韻》是數位香港演藝學院學生的實驗作品，作曲甘聖希及編劇江駿傑均令人有刮目相看之感（前者現時已畢業，後者具不少粵劇的幕前幕後經驗，曾獲藝發局2012年度藝術新秀獎（戲曲)）。該劇早於2017年在演藝校內兩度上演，又曾於大館演出精華章節。項目打正「原創粵語歌劇」旗號遠征海外，沒有戴上「粵劇」或「新派粵劇」的舊帽子，可見它的實驗模式已獲藝術推廣處（APO) 之正面評價，也肯定了探索粵劇未來的路線，甚至將此論題帶到日本越後妻有作討論。

《論疊韻》2017年4月首演之製作團隊（場刊截圖）

舞台背景採用藝術家「蛙王」的水墨屏風

西方弦樂 ＋中式鼓樂 + 原創劇本

該劇之實驗性是將傳統粵劇的伴奏音樂滲入西方弦樂，與傳統的中式鼓樂分庭抗禮，西洋的弦樂四重奏由小提琴、中提琴及大提琴組成，取代二胡及琵琶等中樂，劇目《論疊韻》（英文：On Harmony as Such and On the Harmony of Men) 正是指弦樂四重奏及中式敲擊樂兩者之重疊及和諧並存。

至於舞台效果，則特別著重與觀眾的交流，該劇場為西式設計。觀眾俯望台下，與舞台及演員的距離拉近，燈光方面柔和而不太暗，既可看到身旁友人反應，但又不覺嘈雜；舞台設計背景還採用了藝術家「蛙王」（郭孟浩）親臨當地製成的水墨屏風，其創作以即興模式從生活現成物中取靈感，屏風揉合幾何、笑臉與大自然的圖像及符號，跨地域與文化，為舞台添了活力及可觀度。謝幕時旁白主持提示觀眾把手上白紙一齊高拋歡呼，為舞台掀起高潮，觀眾也間接參與了舞台，特別令人印象深刻。

最重要的觀察，想是劇中保留了粵劇傳統元素，但原創劇目卻具時代感。故事描述人物內心掙扎，青年離開家鄉到京城尋找理想，面對生活現實又想起在家千日好，劇本簡潔兼具時代氣息，這類型的原創劇本，在香港過去的粵劇界可說甚為罕有。

謝幕時的藝術家蛙王（左）、作曲家甘聖希(右）

小妹對粵劇認識甚淺，自覺劇中演員演出純熟，反映苦心學藝的成果，唯說到該劇的靈魂人物，始終是作曲的甘聖希。無緣與此位直率敢言的音樂人對話，幸得配合上映之紀錄片《論為學》（李敏聰、王億峰執導），深入地把這位本地年青作曲家寫實地呈現，也令人得以對粵劇發展的未來方向作了一點反思。

粵劇是自明朝嘉靖年間源起於廣東、廣西一帶以唱做唸打及廣東話作語言的民間表演藝術，欲保存粵劇傳統，與護守廣東話文化有必然關係。粵劇藝術的美學深度及韵味，相信人愈年長會愈懂欣賞，而隨著人口老化，粵劇的觀眾必有所增長，傳統粵劇只要吸納年輕化的「任白」或偶像派老倌加入，不仇達不到普及化的目標；然而，另一個發展方向，則是在藝術形式及劇本上革新，更貼切地反映當代社會思潮，帶給觀眾共鳴，也自然地會趨使更多年輕人加入創作或成為觀眾；當然，這樣的藝術形式可能不該稱為粵劇了。粵劇該往那個方向走？相信市場會帶給大家答案。

「我只在創作我喜歡的藝術形式，不在乎它是不是粵劇，不過正好被歸類為粵劇才獲得資助。（大意）」甘聖希在紀錄片中說 — 實實在在道出了創作者的心聲。「粵語歌劇」是否從傳統粵劇中走出來的嶄新表演藝術？ 大家可以多多留意。


註：越後妻有《大地藝術祭》2018 第一回展期已結束（2018.7.29 -9.17)，但在未來兩年，不少展館仍會對外開放，詳情可參考越後妻有《大地藝術祭》網址。另香港部屋在未來兩年的夏日將繼續開放，2019年藝術家為尹麗娟、2020年 為白雙全、胡敏儀及嚴瑞芳。（香港部屋Facebook專頁）

 

被遺忘了的藝術家 ~丁天缺

遊北京，怎能不到訪798藝術區？除了畫廊、食店、咖啡店、潮物店外，還有雕塑和牆畫等地標打卡點。眾裡尋他，竟發現了一位堪稱無名英雄的藝術家 — 丁天缺 （1916-2013）—  掉進二十世紀初迂迴曲折的民國藝術歷史思憶。

丁天缺紀念展，擷集了文獻與繪畫，呈現他一生事蹟。

香港媒體「立場新聞」本文連結

誰是丁天缺？現代主義的色彩系

「我希望透過此展覽，讓觀者重新思考中國美術教育這議題 。」咪咪女士 ～藝棧畫廊主人～為我解釋展覽的目標。

「民國美術史上的兩個體系，吳大羽體系代表現代主義以色彩為中心的繪畫實踐，另一是徐悲鴻以造型為中心的寫實主義體系。解放後側重了寫實主義，壓抑個人表達自由，事實上吳大羽體系在七十年代開始，一再證明能培養出國際大師，又怎能抹剎了當中為師者的努力和貢獻？」丁天缺從吳大羽老師裡學習鑽研西洋畫，是吳大羽體系裡重要的教育及藝術工作者，師生兩人藝術理念一致，亦同樣命途多舛。

丁天缺之紀錄片，拍攝於1998年。

反右年代，為師卻惹禍

已故的丁天缺先生原是趙無極、朱德群的同學，同於1935-1941年就讀於林風眠（1900-1991）為校長的國立杭州藝專，受教於現代主義抽象派大師先驅的吳大羽（1903-1988)。林及吳均是留學巴黎、滿匡熱誠地回國的藝術家，丁天缺深得吳大羽器重和賞識，1947年升任為吳的助教，以教授西洋畫為主。1949年解放之後，現代主義被歸入資產階級的形式主義，備受批判，丁天缺曾兩次入獄，文革期又被下放勞改、囚禁抄家、受盡折磨，至1980年方出獄，期間像被人間蒸發，連情人也誤以為他已離開人世。相比幾位先後赴法國留學的同窗（趙無極、朱德群、吳冠中），彼此際遇之差距何止天壤之別？ 作為藝術家，所有繪畫被毀，牢獄中近三十年無法創作， 箇中苦澀必定難以言喻！

半生坐牢 ，半生繪畫

經過半生蒙寃受辱，丁天缺出獄那年已屆64歲，當時身體尚十分健壯，隨即再度投入翻譯及繪畫的創作裡。展場內搭建了一個「鐵籠式」的立方間格，份外觸目，既象徵牢獄、也是重投創作的縮影 — 屹立其中有雕塑家李秀勤的《丁天缺塑像》(2009) ，雕像面容堅定，俯首低吟卻無悔，微彎腰背露出嶙峋骨節，與藝術家的孤風傲骨甚為刎合；除了半身鐵鑄雕像，還有一幅《未完成的觀音跳》(2013) ，營造出踽踽獨行、壯志未酬之慨。丁氏大半生為師，為藝術身陷囹圄，一幕幕畫面浮現眼前。

畫廊主人咪咪詳述策展心思 - 化空間為牢獄與創作之縮影。

「1980年丁天缺出獄後，由於學院方面聲稱人事紀錄盡失，無法讓他重返藝專任教，改聘為美術學報的臨時編輯。時他生活窘迫，只得寄居妹妹家狹窄的客廳裡，書本、繪畫、翻譯覆蓋斗室，還常擠滿一群群杭州藝專的學生，與他一道暢論人生與繪畫，每每直到深宵零晨也不散去。此處重現了那斗室的感覺，把熟知藝術家生平的友人帶進回憶中。」咪咪說道。

山石化為怪獸 ，黑白貓警世


據展覽策展人石建邦指出，丁天缺早年作品被丟失殆盡，只留下三幀1948年的肖像畫黑白照；丁氏自傳《顧鏡遺夢》也慨嘆在斗室數年，因生計勞碌，只完成了五幅小作。不過，我認為縱使丁氏作品不多，亦無礙我們欣賞並融入藝術家強烈主觀意識的獨特風格。雖取之於後印象派及野獸派，同時亦師承有「小塞尚」之稱的老師吳大羽，然而其繪畫不僅寓意深遠，且有一股獨特的中國文人風采，在西洋油畫中別樹一幟。

《虎跳峽》1980

丁天缺的《虎跳峽》(1980) 與《人生》（1999）雖非巨幅畫作，卻可堪稱「以色彩為中心的表現主義」之代表作。山林向來是中國文人仕大夫失意時避世之所，在此兩幅作品中，他把大自然的山石用油畫筆法化成色彩分明的怪獸，讓山石瀰漫感情與思想，無疑是對跌宕人生發出無言的呐喊；細看風景裡巨浪中一隅，鎮定的漁夫呈現一份洒然安詳的器度，持續驅風逐浪往前行，難免令人聯想他正是藝術家自身的投射。藝術是人內心的表露，在他的作品中相信是共識了。

《人生》1999

細看《人生》中的漁夫，洒然面對風浪。

兩幅寓言式作品《窗前偶見》（1980）及《窗前偶見 II》 （1992）刻劃出飢餓的野貓從窗口跳進室內，本來正在偷吃魚兒，卻打草驚蛇讓名貴花瓶笈笈可危，「黑貓」「白貓」驚惶失措，而幸災樂禍的豺狼正在餐桌下虎視眈眈；畫作蘊含言外之意，似在暗諷豺狼當道，人心險惡，滿懷中國知識分子的警世情懷；兩幅油畫創作時份相距十二載，即使顏色調子由幽暗變為明亮，構圖卻如出一徹，透過層次分明的色彩闡述緊扣的情節，著實經過深思熟慮，非即興或偶發的情緒表達。

《窗前偶見》1980

《窗前偶見 II》1992

觀畫看人生，超脫洒然  

丁天缺的畫作，無一不反映了他暮年的歷程、回憶及思緒。《溜冰女教練》（1986）描繪旅居法國兩年，請來在滑雪勝地遇到的荷蘭藉女士為模特兒，畫面用檸檬黃外套為主色，以黑白線條勾畫輪廓，透過色彩塑造明暗、光度和情感，牆壁調出柔和寧謐的橄欖綠，將「固有色」及「主觀色」之協調發揮至極致，讓活潑的人物顯現靜態性格，亦反映當時身處國外輕鬆舒曠的心境。研究丁氏的學者之一朱其曾指出，此畫是肖像畫上色彩處理的範本，極堪一再深思細嚼。相信丁氏當時走遍巴黎美術館，觀摩到不少印象派大師真跡，遂留下此珍貴的色彩實驗佳作。

右：《溜冰女教練》1986； 左：《風》1990

另一幅丁夫人的肖像畫 —《半個世紀的畫像》（1998) 則代表丁天缺人生最愜意的時光，亦象徵他與摯愛妻子互相廝守的短暫十年 (1988 至1998年）。熟知丁氐生平，莫不被此段不朽愛情傳奇感動 — 兩人經過歲月的洗禮，重逢於國立杭州藝專60周年校慶，闊別三十八年，那時女的丈夫已逝，終生未娶的丁天缺，彷彿一直守候此刻的來臨。可惜婚後約十年，竟又因丁夫人患上腦退化症需護理，兩人回復天各一方，命運一再弄人。不過，此階段初期不時探親遊歷的溫馨歲月，亦為丁氏帶來不少創作的興致，於1998年某一天，就在簡僕的家，重新為愛人執起畫筆，重繪五十年前丟失的畫像。

《半個世紀的畫像》1998

此截圖來自浙江電視專題片 - 丁天缺《半個世紀的畫像》

丁天缺屬二十世紀初（後五四）一代成長的知識分子，接受傳統的國學教育，詩辭歌賦了得，家境小康的他青少年時已開始學習法文，醉心繪畫，其實他的兩支筆 —「畫筆」和「文筆」— 也得心應手。他在八、九十年代翻譯了色彩論、莫泊桑小說選、畢加索、以及《趙無極自傳》等法文著作，展覽展示了不少親筆校對手稿、與友人往來的筆墨書信，以及好些昏黃舊照； 另外，藝術家幾經折騰，費盡唇舌，仍未能在出獄後回歸美院，退休後只能被分配到浙江醫科大學，文獻顯示工資不到50元，可見他多年來被排擠於體制之外，成了一個被人遺忘了的名字，直至垂垂老矣，真讓人替他感到不值。

文獻資料： 丁氏1985年退休時單位為浙江醫學大學，工資為48.96元。

丁天缺才情橫溢，為人超脫洒然，淡泊名利，不怨天尤人，卻經常因直率而得罪他人。畫了黑貓白貓，原本冒犯了當權者，將要難逃一劫，據說可幸聽了吳冠中的忠告，叫他先把此兩幅畫藏起來，才不致一再惹禍上身，為此他對吳冠中心存感激，亦足見兩人的情誼。

丁天缺最終留下了彌足珍貴的四十多幅油畫，讓知音細味。隨著愈多具深度的展覽及專業的策展，加上更普及的網絡訊息傳遞，這個曾被遺忘的名字，以及這段民國畫史，將會被後世更多人發崛及探討。

註：
展覽：「夢裡孤山 - 丁天缺紀念展」
地點： 北京798東街藝術區: ICI LABAS 藝棧畫廊
展期： 2018年7月 15日至9月 12日

拆解羅丹 （Rodin）不朽傳奇

史丹福大學之《The Thinker》銅像。

以《The Thinker》(沉思者) 雕像著名的法國現代雕塑大師羅丹 (Auguste Rodin, 1940-1917) 盛年時，正是印象派繪畫及攝影兩種現代藝術萌芽期，他比印象派大師莫奈(Claude Monet) 只早兩天出世，兩人更曾於1889年合辦雙人展。去年為紀念羅丹逝世一百周年而設的 #Rodin100 (www.rodin100.org) ，  世界各地美術館將Rodin 藏品重新策展呈現，不少巡迴展仍在延續中，好不熱鬧。

日前來到美國史丹福大學美術館 ～Iris & B. Gerald Cantor Center For Visual Arts 專誠看珍藏之百多件Rodin雕塑，解答了好些疑問。

羅丹雕塑無處不在 ~ 孰真孰假？

其實，Rodin 與 Monet 雖然同樣在藝術史上留芳百世，然而「繪畫」與「雕塑」在創造上大不相同，前者獨一無二，後者可大批生產，也註定了在拍賣市場上，Rodin的作品，即使是大型銅像，其成交價也遠不及一幅Monet 油畫。（註1）

當雕塑家做了「土泥」模型 (Clay plaster) ，會交給鑄造廠(Foundry) 鑄成銅像，多製幾個版本不難，與攝影、版畫等雷同。 Rodin 製作雕塑也一樣，見作品受歡迎便會鑄造多幾個來賣； 事實上，Rodin 年輕時，即布魯塞爾時期(1871-1877)，憑藉1870s歐洲中產階級崛起，已開始替人訂製「頭像」雕塑，賺取生活費，視雕塑為商品，不言而喻。他在六十歲那年辦個人回顧展（Universal Exposition 1900 年)，把握時機一口氣售出超過共二十萬法郎的雕塑，難以估算今天之兌換幣值，總之確具生意頭腦。

《The Kiss》1884

Rodin 在《The Kiss》塑像故意留下手印，極堪細味。

從當代觀眾看，常察覺有機會看到 Rodin 的雕塑，尤其是《The Thinker》及《The Kiss》雕塑 - 「此作品可是真的？」質疑雕塑的真偽，不足為怪。

據知，Rodin的雕塑有以下兩類：一是他在世時監工完成鑄造，另一是法國政府在他身故後鑄造的版本。Rodin以多產見稱，當創作了 「土泥」模型之後，銅的鑄製(Casting) 便會交給助手，這些助手不乏才氣橫溢者，包括情人 Camille Claudel (1864 -1943) 、 還有後來也成為藝術家的Jean Limet (1855-1941) 和Antoine Bourdelle(1861-1929) ，而Henri Lebossé 則擅用比例繪圖儀 - Collas machine (發明於1836年）- 負責把雕塑放大或縮小。

被視為Rodin 代表作的《The Thinker》- 把右手踭踏在左膝，低頭俯覽眾生的沉思者 - 原本的模型祗有70厘米（28吋)，經鑄製時放大才成了氣勢磅礡的 2米 (79吋)高巨像。另一作品《The Kiss》- 溶化於激吻之中的Paolo 及 Francesca - 鑄造版本多達319個，且有四個尺寸供買家選擇，數量之多，令人讚嘆。

據知Rodin 在高峰時曾聘用50位助手，委託共28間鑄造廠。不少觀眾曾有疑問：「羅丹那麼多出色的助手及工匠，會否削弱了藝術家的成就？」對此的看法，相信需先理解鑄銅的工序，尤其是失蠟法 (Lost-Wax Casting) ，特別冗長費時，藝術家決定把時間留給製模及監工，無可厚非。確實唯有沿用文藝復興時代 Michelangelo (1475- 1564) 的工作室模式，才能如此多產。

《The Age of Bronze》1876

爭議性的印象派雕塑

Rodin 的作品往往是非不絕，除了大量展示裸體、被質疑偷工減料用真人做模（《The Age of Bronze》1876）、又因遲遲未能「交貨」而遭非議。然而 Rodin 臨終前名成利就，莫不靠這些法國政府的委託（Commissions) - 籌劃20年漚心瀝血猶未完成的《The Gates of Hell》（地獄之門），靈感從最初但丁(Dante) 神曲的地獄旅程，轉而描繪無神宇宙下蒼生之悲苦； 為紀念十九世紀法國大文豪巴爾扎克百歲冥壽而塑製的《Balzac》，則結合寫實主義與象徵手法，主人翁披上肥腫難分的睡袍，一反英雄威武形象，旨在象徵人性存在的雄心與性慾；《The Burghers of Calais》顯示出六位甘願為國捐軀者種種惶恐不安，與委託者所期望的英勇愛國偉大形象絕不吻合。

紀念巴爾扎克的《Balzac》1889，鑄造於1893

Rodin 不欲因循過往傳統的表現手法，常以平民百姓作題材，也將偉人以平常的一面活生生地呈現；他的人物雕塑姿態往往充滿戲劇性，不但肢體不平衡， 五觀不對稱，形態動作飛躍巔覆邏輯，儼如攝影般將某一刻凝固；有些雕塑參考古希臘廢墟，故意殘缺不全，表面粗糙，似乎尚未完工，保留不確定的美感；除了將獨立作品合鑄成 'assemblage' (組合)，Rodin 又喜歡在作品中加入藝術家個人的參與，扮演著作品與觀者的橋樑。《The Kiss》塑造為世所不容的偷情男女，Rodin 故意在緊緊摟抱的空隙間留下了手印； 在《The Gates of Hell》Rodin 又把被視為自畫像的浮雕小件《The Creator》放在兩門之右下側，都值得觀者細味。

《The Burghers of Calais》1889，鑄造於1893

法國政府代理鑄製雕塑

早於其去世前，Rodin 已為作品的未來躊躇，如何獲得嚴謹的監工，並防止後世膺品魚目混珠，最終決定找法國政府為代理人。1916年，Rodin 及其友人，成功游說法國立法會的左右兩黨，將昔日巴黎的工作室 Hôtel Biron 改建為羅丹美術館 (Musee Rodin) ，法國政府則獲雕像的鑄造版權費，同時亦需答允，每件雕塑作品的鑄造量，限定為十二件之內，以保持版本的罕有度。Musee Rodin 於1919年落成揭幕，對Rodin雕塑及作品傳頌後世，應記一功。

史丹福大學的《The Gates of Hell》

法國政府於1880年委託Rodin 創作的《The Gates of Hell》，可謂羅丹畢生最重要的創作，《The Thinker》及《The Kiss》最初均是該傑作的小件。在Rodin去世後，迄今先後共有多間博物館付出不菲費用，向法國政府提出鑄製方案，現時史丹福大學美術館展出的版本是其一。（註2)


死後三十年乏人問津

Rodin 今天雖被譽為現代雕塑之父，然而卻甚少被提及一段蒼涼期。原來他在世時儘管風光，在他死後不久即1920s 至 1940s期間，新古典主義進入沉寂期，而Rodin 的現代手法尚未被賞識，批評者冷語指謫 Rodin 的人像雕塑太嚴肅（too serious, too public, and too accessible），各大博物館將其雕塑束諸高閣，作品無人問津接近三十年，盡顯了藝術潮流的看風駛艃。直到五十年代，開始再有學者把 Rodin 重新研究，才為他闖出新局面，這包括著名史丹福大學歷史學者Albert Elsen，還有影響深遠的藏家 Bernie Gerald Cantor (1916 -1996) - 即 Cantor Foundation的創立人 - 他對Rodin情有獨中，更將數百件藏品分別贈予全美國多間著名美術館及學府，又增設羅丹研究獎學金，推動藏品主題展作巡迴展，讓 Rodin 作品達到「藝術需要被觀賞」 (Art must be seen) 的目標。

註：

1）兩位藝術家破頂拍賣紀錄之比較：Claude Monet 的  Meule by Claude Monet 拍賣成交價 8140 萬美元 (紐約佳士得2016) ； Auguste Rodin 的銅像 Iris, Messager of the Gods,  拍賣成交價 1660 萬美元（紐約蘇富比2016）。

2)  除 Cantor Center for Visual Arts (史丹福大學) ，現收藏The Gates of Hell 銅像的博物館包括：Musee Rodin (巴黎)、Rodin Museum (費城)、National Museum of Western Art (東京上野)、Kunsthaus Zurich (蘇黎世)、The Plateau (首爾)、Museo Sourmaya (墨西哥城)。原裝模型則展出於Musee d'Orsay (巴黎)。

參考：

1. Miller, Joan Vita, and Marotta, Gary. Rodin The B.Gerald Cantor Collection,  The Metropolitan Museum of Art, 1986
2. "Rodin, ups and down," Rodin100,  http://www.rodin100.org/en/tops-flops
3. "Important Art by Auguste Rodin," The Art Story,  https://www.theartstory.org/artist-rodin-auguste.htm
4. "In Rodin's Studio," Cantor Foundation,  https://cantorfoundation.org/resources/in-rodins-studio/
5. "Rodin, The Gates of Hell", The Khan Academy, https://www.youtube.com/watch?v=bfv9T1lSO2U

documenta 14 ~ Highlights

Documenta 14, about to conclude on 17 September 2017, has set a groundbreaking benchmark - colocation in Athens and Kassel (first since documenta was founded in 1955), stretching 163 days (replacing the usual 100 days) and estimated to reach an audience of over one million. As reported, the 47 venues in the Athens exhibition  (running from 8 April to 17 July) have recorded 339,000 attendees while the 35 Kassel venues have drawn nearly 445,000 visitors at its halfway point, much exceed the previous editions. 

Titled "Learning from Athens" by artistic director Adam Szymczyk, the quinquennial mega exhibition stands in solidarity with the debt-ridden Greece and endeavors to revive the memory of its historical and cultural grandeur. Nonetheless, the Athenian overture is a point of departure and has opened up discourses on modern-day socio-political issues such as failure in democracy and neoliberalism, state of diaspora and dispossession, the rise of neofascism, problems in gender inequality and human rights, preserving indigenous culture and so on. As political art pieces seem to dominate the whole show, documenta 14 has evoked debates on the efficacy of art to offer solutions to our current world in turmoil. 

Despite some contestable viewpoints, documenta 14 is still arguably an enticing art event taken over by live performances, sound arts, screenings, and talks, in addition to the more traditional art forms.  From the life-sized replica of the Parthenon of banned books erected in the Friedrichsplatz; to the performative holistic black soap initiative that advocates circular economy. From the nostalgic Yugoslavia Borosana shoe shop that reflects socialist ideals in Neue Neue Galerie to the female art collective's fight for women's right to education in the disused underground train station.  It is not difficult to pick some top works among over 160 international artists in the Kassel venues that strike a balance between subtlety and directness.

Marta Minujín, The Parthenon of Books (2017)

Steel, books, and plastic sheeting
Friedrichsplatz, Kassel

Collecting banned books from the public in Friedrichsplatz.

Banu Cennetoğlu, BEINGSAFEISSCARY (2017)
Ten aluminum letters borrowed from the Fridericianum and six letters cast in brass after the existing ones
Fridericianum, Kassel

Daniel Knorr, Expiration Movement (2017)
Smoke and manifesto, Zwehrenturm, Kassel

Hiwa K, When We Were Exhaling Images (2017)

Vitrified clay pipes, laminated beams, furniture, and various objects, Friedrichsplatz, Kassel

Nikos Alexiou, The End (2007)
Digital animation, color, silent, looped
Collection of Kalliopi Alexiou
Fridericianum, Kassel

Vlassis Caniaris, Hopscotch (1974) Installation including six human figures (chicken wire over wooden frame, paper and plastic filling, and used clothes), nine suitcases, metal bird cage, and chalk on tarpaper. National Museum of Contemporary Art, Athens (EMST), Fridericianum, Kassel

Andreas Angelidakis, Polemos (2017)

Foam and vinyl seating modules

Fridericianum, Kassel

Janine Antoni, Slumber (1994) 
Maple loom, wool yarn, bed, EEG machine, artist’s REM reading on computer paper, seven nightgowns woven into a 126-feet blanket, Dimensions variable. National Museum of Contemporary Art, Athens (EMST), donated by the Dakis Joannou Collection in 2014
Fridericianum, Kassel

Romuald Karmakar, BYZANTION (2017)

Digital video, color, sound, 7 min., Westpavillon (Orangerie), Kassel

Otobong Nkanga, Carved to Flow (2017), Performance and installation, Neue Galerie, Neue Neue Galerie (Neue Hauptpost), and Glass Pavilions on Kurt-Schumacher-Strasse, Kassel

Máret Ánne Sara, Pile o’ Sápmi (2017)

Curtain made from reindeer skulls and metal wire, porcelain necklace made from reindeer-bone ash, two photographic lightboxes, and two vitrines containing the Reindeer Husbandry Act and excerpts of the trials of Jovsset Ante Iversen Sara versus the Norwegian Ministry of Agriculture and Food


Neue Neue Galerie (Neue Hauptpost), Kassel

Irena Haiduk, Nine Hour Delay (2012-58)
One thousand pairs of Borosana shoes worn by the female workforce of documenta 14
Procuced for Yugoexport Various locations throughout Kassel,
Photo: Introduction Poster, A1, Ad for Vertical formats.

Cecilia Vicuña, Quipu Gut (2017)
Dyed wool. Dimensions variable

documenta Halle, Kassel

Aboubakar Fofana, Fundi (Uprising, 2017
Natural fiber-based textiles, handsewn and dyed in organic indigo in Bamako and Athens: Indigoferra arrecta, Polygonum tinctorium, and Isatis tinctoria grown in collaboration with Kasseler Werkstatt (Gartenbau); Stadt Kassel, Umwelt- und Gartenamt; Universität Kassel, Gewächshaus für tropische Nutzpflanzen, Witzenhausen.  documenta Halle, Kassel

Lorenza Böttner(1959–1994), Drawings, pastels, paintings, video, and archival materials (1975–94) 

Neue Galerie, Kassel

                Vivian Suter, Nisyros (Vivian’s bed) (2016–17)

Glass Pavilions on Kurt-Schumacher-Strasse, Kassel

iQhiya, Monday (2017), Performance and installation with school desks and video projection
Former Underground Train Station  (KulturBahnhof), Kassel

Roee Rosen, The Dust Channel (2016)
Digital video, colour, sound, 23 min.

Palais Bellevue, Kassel

Regina José Galindo, La Sombra (The Shadow), 2017, 
Video, Installation View, Palais Bellevue, Kassel, documenta 14, Foto: Daniel Wimmer

 Olu Oguibe, Monument for strangers and refugees, (2017)
Concrete, 3 × 3 × 16.3 m, Königsplatz, Kassel