Friday, 22 July 2016

曹斐(CAO FEI) 奇蹟:重現於紐約MoMA P.S.1

時光倒流回到2007年,知名策展人侯瀚如邀請了四位女性藝術家,參與52屆威尼斯雙年展中國館之「日常奇蹟」(Everyday Miracles),會料到當中之一、年紀最輕的曹斐(CAO FEI) ,會在今天紐約的MoMA P.S.1舉行個展嗎?也許他亦有先見,早於1999年已把曹斐作品帶到西班牙展出。 

紐約地鐵站曹斐展廣告。


P.S.1 代表皇后區第一所Public School。

CAO FEI 展覽現場



《我 · 鏡》化身"China Tracy"



2007年的《我 · 鏡》,曹在虛擬網游Second Life ( SL ) 中化名 "China Tracy",放下現實真身,戴上Avatar 面具,沈醉於虛擬世界,與看似英俊瀟灑的Hug Yue 邂逅,並有以下這麼一段:

China Tracy: Forget your pain?(你是來忘卻痛苦?)
Hug Yue: I suppose SL is a drug (SL如藥物會上癮)

兩人編編起舞,共譜浪漫樂章,然而後來 Hug Yue 老實說出自己是個64歲的老頭;現實鬱悶,虛擬世界也有失望與悲戚,望著鏡子的China Tracy,察覺虛擬與真實的界線愈見模糊。假作真時真亦假的網絡情懷,近此十年來引起了跨時代、跨地域的共鳴。正因如此,我視曹斐為一位擁全球視野、多於反映中國本土變遷的藝術家,當然,也相信這是一個演變過程。


《我 鏡》放映現場。



MoMA P.S.1 是里程碑



紐約MoMA P.S.1是殿堂級的國際藝術空間,由校舍改建,2000年正式成為 MoMA (紐約現代藝術博物館)支部,以實驗性、前瞻性見稱,與社區關係也更密切。負責CAO FEI」展覽著名策展人Klus Biensenbach (曾策展Marina Abramovic大展"The Artist is Present")
,他說搞曹斐展是要讓紐約人知道,在北京有如此緊貼時代潮流的藝術家(“It is important for a New York audience to find out that you can find someone as cutting-edge in Beijing as you can here.”)。對,是指紐約人要開開眼界。


曹斐(b.1978)是廣州人,小時也看香港的電視及周星馳,少年時又看日本動漫,早期受賈樟柯的寫實手法影響,後來更愛 Frederico Fellini (費里尼)、瑞典鬼才導演 Roy Anderson ,擅長將夢想與現實交織,逐漸脫離寫實風格,集荒誕詭異佻皮於一身


「CAO FEI」 展覽以錄像放映為主,《La Town (2014)  為重點推介,觀片前必需穿過La Town模型區域;另外放映的四部片子,除了前文提及的《 · 》外,還有《霾》(Haze and Fog, 2013)、《誰的烏托邦》(Whose Utopia, 2006)及《角色》(Cosplayers, 2004);最後「冬甩」圍圈式區域則分別播放七套19952003年的早期作品。



《La Town》放映中。


La Town》小城劫後餘生


片長四十多分鐘的《La Town (2014)呈現一個沒有白天的漆黑小城,時空模糊,Timeline不明確,既像末日之前,也像啓示未來。獨特之處是並非由真人演出,而是透過現成的超小187微型模型,再操控燈光、角度、音效、近鏡、變焦、煙霧等拍攝技巧,塑造場次及迷離效果。地標符號一幕接一幕:德國紐倫堡噴泉 (Nuremburg Fountain) 、招牌被撼落的麥當奴連鎖快餐店、德國超市被搶購一空,表面放映"Gone With the Wind" 的電影院卻演出鋼管舞,連連不祥徵兆:出軌火車引致聖誕老人鹿車濺血、墮毀客機見「國航」標誌,巨型海洋生物遭酷刧... 然人們如常過日子,以激烈性愛打法時間,寄情夜間美術館尋解脫;片中夾集一對男女閒聊,各自堅持自己的記憶,原來是借用了1959年法國電影「廣島之戀」(Hiroshima Mon Amour,由Alain Resnais導演的戀人對白,暗喻總是看不出現實與未來的真相。從網購得來的超小模型並加工、借用電影對白,以「挪用」(Appropriation)手法,「即興」批判時局,創造警世的「末日寓言」(post apocalyptic) 可説是曹斐創作上的新嘗試,足顯藝術家的大抱負。


La Town》模型
La Town》模型

有說經典藝術作品需有時代性,才能跳出時代活下去。或許此刻我們的時代正危機四伏,地球能源被大量虛耗,是時候需作改變


《Whose Utopia》我的未來不是夢


曹斐作品游走於虛擬與真實,寫實手法中又出現疑幻似真,插入放縱荒誕的夢境場面,透視對理想境地「烏托邦」的追求。進出不同房間,時可體會作品精神的連貫性。《角色》鏡頭下穿上日本動漫服飾的廣州青年,企圖扮演他身擺脫對現實的不滿,不正如 · 》反映的虛擬世界,誰也在隠藏真身?另一作品《霾》(Haze and Fog) (2013) 取自北京的生活體驗,霧霾深鎖下生活如喪屍,而《La Town》呈現的黑夜,延續著對末日降臨的恐懼;《誰的烏托邦》(Whose Utopia 2006) 播出的則是20分鐘的加長版,血汗工廠编編起舞的民工錄像,一張張木納面孔定鏡,背後的廠房機器還在滾動。



《角色》現場放映室放置豆袋,看得舒適。

《誰的烏托邦》一幕:我的未來不是夢。




回顧早期作品: 1995 - 2003


曹斐創作早期作品時,互聯網還未算普及,全球化影響尚不明顯,於廣州美術學院讀大學時作品《失調257》(1999)反映九十年代輕狂浮躁的大學生活,
風格寫實媚俗,將「無厘頭」流行文化、卡拉ok音樂共冶一爐,當中「踎廁」一幕,女生把「M巾」散落一地尤為經典;《The little Spark》(1995)集諧趣胡鬧的舞台節目,曹斐也參與演出,可說難得一見 ;隨後也可看到曹斐風格正慢慢轉變,《鏈》(2000受了英國YBAs(Young British Artists) 的衝擊,出現了狂想式的血淋淋場境,懷胎女子竟生出了一頭豬。這些早期作品,都反映了藝術家成長的歷程。

「冬甩」式圓枱展出七套早期作品,陳設如資料室。


曹斐的作品過去曾於MoMA P.S.1放映,但搜羅亮點、兼回顧早期錄像的個展誠屬首次,今次故然吸引不少東西方眼球。觀眾疑問還是不少:「她可有自我審查(self-censorship)?」「把網絡遊戲電腦畫面capture 剪輯算藝術嗎?What is art 藝術定義如何...」我看這些問題不易短答。然而,這批七十後及文革後出生的新一輩中國藝術家,在網絡世代探索全球化議題,好戲將陸續在國際藝術空間上演。


曹斐網址:
http://www.caofei.com/

展覽:CAO FEI
地點:紐約MoMA P.S.1
日期:2016年4月3日 - 8月31日







Friday, 1 July 2016

紐約客:從異鄉人到地頭蟲

來到紐約市,人物風貌多姿多采,由於是移民城市,在街上隨時可聽到不知名的方言、不同腔調的英語,但誰也會看自己國家語言的手機Apps,適應問題大大減少。想與陌生人搭訕不太難,隨和地問一句:「給你們拍個照咧?」便可以了。更深入一點地瞭解風土人情麼?或許可住進地道的民宿(airbnb),亦因此與一個來自東歐亞爾巴尼亞的家庭結了緣。

紐約皇后區Astoria 一帶房子。 


亞爾巴尼亞的97事件

曾經分別是醫生和電子公程師的L 與 P為了下一代移民美國,至今已接近20個年頭。原來無獨有偶,其家鄉亞爾巴尼亞(Albania)也有97驚魂。當地由金融風暴引發的內戰,令不少該國人都希望遠走他方,脫離動盪。

「有一天,在郵箱中收到美國移民局送來的好消息,我們抽簽抽中了。」頭髪斑白、但樣子不減俊朗的男主人P憶述當年參加了 "Green Card Lottery",終於被幸運抽中的情境,心情仍難掩興奮。原來美國的Diversity Immigration Visa Program(簡稱DV Program)每年有五萬個簽證名額,給與合資格國家的申請者,這對幸運的夫婦也同時獲抽中加拿大類似的移民抽獎,兩者之間他們選了美國。不過,由於不諳英文,夫婦倆都幹不了本來的行業,最初的數年歲月,時感彷徨。「當時兩個孩子年紀還少,靠領取政府少許的津貼,當一點清潔工。」好客的 L沖調了咖啡,還烘焙了名為Baklava的家鄉果仁甜點給我們品嘗,在屋子後花園的陽台招呼我們坐下,閒話家常。


Baklava (左)其實是Ottoman Empire 流傳下來的傳統甜點。


母親的「醫生」夢由兒子繼承

2001年紐約的9/11事件,改變了不少人的命運,據知Luiza後來參與了911之後的醫療支援義工服務,有機會再接觸醫療界的人士,幾經轉接,2006年終於重投醫療研究的行業,機構現屬哥倫比亞大學的支部,丈夫也找到教書工作。兩位大學高材生終於重拾生活的尊嚴,經濟也開始好轉。數年前他們付了皇后區Astoria 這幢兩層高房子的首期,有了自己的安樂窩,看著房價一直漲,死慳死抵供樓也覺值得。這一帶均為二戰後建成的舊屋,以希臘、意大利等南歐移民聚居較多,鄰里間文化相近,相處和睦。Luiza 說,這區走5分鐘可到30大道,吃的買的應有盡有,便捷得很,乘Metro瞬即可至曼克頓市中心。

皇后區30大道上 的 Mini Star Restaurant 提供傳統早餐,值得推介。

既然是為了孩子而移民,難免對他們的學業特別緊張。雖然子女中學時成續未算標青,但都能順行由college轉入大學,大兒子進了 NYU成了牙醫,女兒亦從「哥大」碩士畢業。子女會襯周末回老家住一晚,與父母一聚天倫。少年時捱過苦,現在都成了乖孩子。曾經一度為異鄉人,現已把紐約當成家,移民決定正確與否?不言而喻了。


「9/11紀念博物館」中的「逃生梯」

L和P夫婦的故事,令我想起在紐約9/11紀念博物館 (National September 11 Memorial& Museum),特別保留下來、名為" Survivor's Stairs" 的歷史見證。在兩幢世貿大廈分別先後倒下之前,幸好有這條沒有塌下的「逃生梯」,令不少幸存者靠利用這扇石梯逃出生天。這道樓梯,亦為喻為「通向自由之路」 (The Path to Freedom)。在恐襲時,「逃生梯」沒有損毀,亦可視為奇蹟。

「逃生梯」所見崩裂,為後期搬遷導致。


這扇通向Vesey Street 的石梯,救了百人姓命。

高22呎,重175公噸的石梯(右)在9/11紀念博物館重現




館內一堵由藍色方塊畫紙組成的藍牆。


近三千個藍色方塊,紀念9/11犧牲者。


9/11紀念博物館還有一堵由不同的藍色方塊砌成的巨牆,作品名為Trying to Remember the Color of the Sky on That September Morning,為藝術家Spencer Finch之作。由2,983張手繪藍天方塊砌成,藍色有沈鬱一點,有明亮一點,每一方塊色澤沒有完全相同之處,代表於9/11及1993年世貿爆炸案中犧牲者,在當日所見的天空色彩。

移民是否由幸運之神來決定?死裡逃生是否命中註定?說到底,人的故事,始終最令人動容,美國人在恐襲面前不畏懼不退縮,反而更堅強地站起來,是所謂美國精神。9/11或多或少,改變了不少人一生。


Monday, 6 June 2016

曹斐(CAO FEI) 奇蹟在紐約MoMA P.S.1重現




時光倒流回到2007年,知名策展人侯瀚如邀請了四位女性藝術家,參與52屆威尼斯雙年展中國館之「日常奇蹟」(Everyday Miracles),會料到當中之一、年紀最輕的曹斐(CAO FEI) ,會在今天紐約的MoMA P.S.1舉行個展嗎?也許他亦有先見,早於1999年已把曹斐作品帶到西班牙展出。 

紐約地鐵站曹斐展廣告。


P.S.1 代表皇后區第一所Public School。

CAO FEI 展覽現場



《我 · 鏡》化身"China Tracy"



2007年的《我 · 鏡》,曹在虛擬網游Second Life ( SL ) 中化名 "China Tracy",放下現實真身,戴上Avatar 面具,沈醉於虛擬世界,與看似英俊瀟灑的Hug Yue 邂逅,並有以下這麼一段:

China Tracy: Forget your pain?(你是來忘卻痛苦?)
Hug Yue: I suppose SL is a drug (SL如藥物會上癮)

兩人編編起舞,共譜浪漫樂章,然而後來 Hug Yue 老實說出自己是個64歲的老頭;現實鬱悶,虛擬世界也有失望與悲戚,望著鏡子的China Tracy,察覺虛擬與真實的界線愈見模糊。假作真時真亦假的網絡情懷,近此十年來引起了跨時代、跨地域的共鳴。正因如此,我視曹斐為一位擁全球視野、多於反映中國本土變遷的藝術家,當然,也相信這是一個演變過程。


《我 鏡》放映現場。



MoMA P.S.1 是里程碑



紐約MoMA P.S.1是殿堂級的國際藝術空間,由校舍改建,2000年正式成為 MoMA (紐約現代藝術博物館)支部,以實驗性、前瞻性見稱,與社區關係也更密切。負責CAO FEI」展覽(3/4 - 31/8/2016)是著名策展人Klus Biensenbach (曾策展Marina Abramovic大展"The Artist is Present")
,他說搞曹斐展要讓紐約人知道,在北京有如此緊貼時代潮流的藝術家(“It is important for a New York audience to find out that you can find someone as cutting-edge in Beijing as you can here.”)。對,是指紐約人要開開眼界。


曹斐(b.1978)是廣州人,小時也看歡樂今宵及周星馳,少年時又看日本動漫,早期受賈樟柯的寫實手法影響,後來更愛 Frederico Fellini (費里尼),
以及擅長將夢想與現實交織,集荒誕詭異佻皮於一身的瑞典鬼才導演 Roy Anderson 

「CAO FEI」 展覽以錄像放映為主,《La Town (2014)  為重點推介,觀片前必需穿過La Town模型區域;另外放映的四部片子,除了前文提及的《 · 》外,還有《霾》(Haze and Fog, 2013)、《誰的烏托邦》(Whose Utopia, 2006)及《角色》(Cosplayers, 2004);最後「冬甩」圍圈式區域則分別播放七套19952003年的早期作品。



《La Town》放映中。


La Town》小城劫後餘生


片長四十多分鐘的《La Town (2014)呈現一個沒有白天的漆黑小城,時空模糊,Timeline不明確,既像末日之前,也像啓示未來。獨特之處是並非由真人演出,而是透過現成的超小187微型模型,再操控燈光、角度、音效、近鏡、變焦、煙霧等拍攝技巧,塑造場次及迷離效果。地標符號一幕接一幕:德國紐倫堡噴泉 (Nuremburg Fountain) 、招牌被撼落的麥當奴連鎖快餐店、德國超市被搶購一空,表面放映"Gone With the Wind" 的電影院卻演出鋼管舞,連連不祥徵兆:出軌火車引致聖誕老人鹿車濺血、墮毀客機見「國航」標誌,巨型海洋生物遭酷刧... 然人們如常過日子,以激烈性愛打法時間,寄情夜間美術館尋解脫;片中夾集一對男女閒聊,各自堅持自己的記憶,原來是借用了1959年法國電影「廣島之戀」(Hiroshima Mon Amour,由Alain Resnais導演的戀人對白,暗喻總是看不出現實與未來的真相。從網購得來的超小模型並加工、借用電影對白,以「挪用」(Appropriation)手法,「即興」批判時局,創造警世的「末日寓言」(post apocalyptic) 可説是曹斐創作上的新嘗試,足顯藝術家的大抱負。


La Town》模型
La Town》模型

有說經典藝術作品需有時代性,才能跳出時代活下去。或許此刻我們的時代正危機四伏,地球能源被大量虛耗,是時候需作改變


《Whose Utopia》我的未來不是夢


曹斐作品游走於虛擬與真實,寫實手法中又出現疑幻似真,插入放縱荒誕的夢境場面,透視對理想境地「烏托邦」的追求。進出不同房間,時可體會作品精神的連貫性。《角色》鏡頭下穿上日本動漫服飾的廣州青年,企圖扮演他身擺脫對現實的不滿,不正如 · 》反映的虛擬世界,誰也在隠藏真身?另一作品《霾》(Haze and Fog) (2013) 取自北京的生活體驗,霧霾深鎖下生活如喪屍,而《La Town》呈現的黑夜,延續著對末日降臨的恐懼;《誰的烏托邦》(Whose Utopia 2006) 播出的則是20分鐘的加長版,血汗工廠编編起舞的民工錄像,一張張木納面孔定鏡,背後的廠房機器還在滾動。



《角色》現場放映室放置豆袋,看得舒適。

《誰的烏托邦》一幕:我的未來不是夢。




回顧早期作品: 1995 - 2003


曹斐創作早期作品時,互聯網還未算普及,全球化影響尚不明顯,於廣州美術學院讀大學時作品《失調257》(1999)反映九十年代輕狂浮躁的大學生活,
風格寫實媚俗,將「無厘頭」流行文化、卡拉ok音樂共冶一爐,當中「踎廁」一幕,女生把「M巾」散落一地尤為經典;《The little Spark》(1995)集諧趣胡鬧的舞台節目,曹斐也參與演出,可說難得一見 ;隨後也可看到曹斐風格正慢慢轉變,《鏈》(2000受了英國YBAs(Young British Artists) 的衝擊,出現了狂想式的血淋淋場境,懷胎女子竟生出了一頭豬

「冬甩」式圓枱展出七套早期作品,陳設如資料室。


過去曹斐作品曾於MoMA P.S.1放映,但搜羅亮點、兼回顧早期錄像的個展屬首次,吸引不少東西方眼球。觀眾疑問還是不少:「她可有自我審查(self-censorship)?」「把網絡遊戲電腦畫面capture 剪輯算藝術嗎?What is art 藝術定義如何...」這些問題不易短答。然而,這批七十後及文革後出生的新一輩藝術家,在網絡世代探索全球化議題,好戲將陸續在國際藝術空間上演。


曹斐網址:
http://www.caofei.com/

展覽:CAO FEI
地點:紐約MoMA P.S.1
日期:2016年4月3日 - 8月31日








Monday, 16 May 2016

Affordable Art Fair wrap up: online galleries take off at fairs

Henrik Riis of EYESTORM @ AAF HK 2016


The fourth edition of the Affordable Art Hong Kong Fair (aka AAF, shown at HKCEC, 13-15 May 2016) has just passed with an array of new excitement - boosting fun, interaction and an enriching art experience. One highlight alongside this year's 110 gallery booths was 'ARTFUL', a star-studded collaborative TEDxHongKongSalon event featuring live performances and talks from a host of local and international artists. From what I saw, the 3-day fair was well attended with a great turnout, seemingly unaffected by a downturn in the art auction market. 


Making art friendly and accessible to everyone and encouraging first-time art buyers within a chilled-out experience is the key vision of Will Ramsay, who found AAF in 1999. This means every art piece on show at the Hong Kong Fair has to be marked between HK$1,000 and HK$100,000. I met with some gallerists who embrace the concept of affordable art and stand by its relative affordability compared to mega fairs like Art Basel. 


One returning exhibitor was EYESTORM, a leading London-based online gallery which has published limited print editions from established artists including Damien Hirst, Jeff Koons, Andy Goldsworthy, Peter Blake and Marc Quinn. According to its Director Henrik Riis, the gallery has been a veteran AAF exhibitor not only in the Hong Kong Fair, but also other editions in Europe, the United States and Singapore. "We are here primarily to meet up with existing clients. To showcase new works and encountering new customers is only our secondary objective." Founded in 1999 during the internet boom, the non-bricks-and-mortar gallery has been extending its global reach through a cookie-embedded website which displays customers’ local currency and previous favourites, complete with an interactive form and dynamic payment solutions.   Envisaging an exponential growth in online art sales in the next 5 to 10 years, Henrik believes exhibiting in the AAF is a perfect complement to the gallery's online presence.


METTA @ AAF HK 2016


Inasmuch as AAF is suitable for those not running a traditional gallery space, AAF also serves as a launch pad for some startups. METTA, among the 28 participating local galleries, made its debut and is already representing a stable of artists from a variety of talents and backgrounds encompassing art school teachers, musicians and film directors. Works by b. Wing, the celebrated illustrator-artist known for the etiquette trailers for Broadway Cinemas, attracted fans flocking to the booth.  Having received much positive feedback, Pad Chu, METTA's spokesperson, is bullish about this trial and set to join next year's Art Central and AAF.


Amidst crazy rent hikes and with a budget to meet, even experienced galleries have opted for art spaces upstairs or offices tucked away further afield. For local galleries such as Galerie Koo and Neuberg Artspace, having a booth in AAF is like renting a pop-up space to gain exposure from time to time. This thinking might also be applied to some international galleries who are extending their foothold in Hong Kong, China and other Asian regions.

YOD Gallery @AAF HK 2016


Meanwhile it may be an oversight if the AAF has been thought of as serving only small and medium-sized art galleries. With a 56-year history, Osaka-based YOD Gallery has been a veteran exhibitor at AAF and other art fairs. Here, affordable prints by the world-renowned Yayoi Kusama and Yoshimoto Nara could be found as live bait to entice discerning eyes. "Actually we are an established gallery representing artworks at various price ranges, from Gutai to modern and contemporary Japanese art. We are only choosing young and emerging artists here to match the AAF price tag," remarked Ryotaro Ishigami, Chief Executive of YOD.

Some gallerists do admit that they were also selling works not shown inside the booth. Good for them as that implies some buyers are willing to pay beyond the so-called "affordable" price range. Indeed Hong Kong's zero-rate VAT merit can still be very tempting to some expat and mainland collectors. 

(Note: AAF currently has a presence in 11 cities across the world with Singapore and Seoul being the other two Asian cities.)


Posted on Hong Kong Free Press



Saturday, 7 May 2016

Parasite 群展《工餘》如「迷你雙年展」

推許Parasite的群展《工餘》(Afterwork) 為 「迷你雙年展」(mini biennale) 相信不算誇張 。 位於鰂魚涌一座工廈頂層的藝術空間,3000平方呎地盡其利,分成小區展出30多位自本地及國際藝術家共60多件作品,每周還有放映會,以及讓公眾和傭工參與的活動。

Abdoulaye Konate 《孰不可忍》1998,  以棄衣舊布呈現戰火蹂躪下生靈塗炭

「雙年展」的態度與視野


不過,我所指的「雙年展」其實是一種態度及視野,是否兩年或三年一度無相干。以「外地傭工」作為展覽議題,絕對夠「埋身」,就人數而言,本港外傭已達33萬,其聲音不可忽視。正如策展人之一Inti Guerrero指出:「星期日滿街都可見她們的蹤影,表面上她們的『能見度』很高,可是社會地位上『能見度』卻很低。」(It's quite visible on Sundays when it's their day off, they take over public spaces. However, it's a physical visibility but socially they are invisible) 外傭問題不單出現於香港,也是鄰近亞洲地區,以及拉丁美洲在全球化下共同面對的現象 — 畢竟始自二戰後的數十年,輸出勞動力,是缺乏工業的落後國家賺取收入的經濟國策,即使導致家庭及社會的扭曲,亦在所不惜。

香港居住空間陝窄,僱傭之間如何體恤適應?外傭是否該享有更多尊重、更多權利?討論外傭祗是起點,從而更可探索其他層面:個人身份和夢想的追尋,種族、膚色、性別和階級絲絲緊扣的關係,對彌漫精英主義的世界觀也可提出質疑。對焦國際文化社會議題,透過藝術作品呈現的狀態及影像,提出交流與討論,可說是一種「雙年展」的目標及態度罷。香港要維持多元文化城市的地位,國際視野尤其重要。

Melati Suryodarmo《第二個夢系列》1998 照片記錄強逼自己穿上百件衣服,直至動彈不得。道出初到德國時的身不由己及難以適應。


說此展有「雙年展」的視野,皆因深入觸及議題。甫進入場,驟眼即見雜亂衣物堆砌的掛牆裝置,原來是西非馬里藝術家Abdoulaye Konate 以棄衣舊布表達戰火蹂躪,人民怱怱逃難的境況,馬里有悠久紡織手工藝歷史,舊衣物徒添唏噓感;另一道藍光湧現於左邊展廳,現居紐約的智利矞藝術家Alfredo Jaar為被關進香港白石難民營 (於1997年正式關閉)、喪失工作權及人身自由的越南難民抱不平 :一張張如飄泊大海的照片,隨著日子過去而褪色,象徵不少生命在虛耗及淍謝,更不期然令人聯想到今天百萬計敍利亞難民投奔怒海、異國逃生的困境。其他藝術家還有著名的Harun Farocki(德國)、Santiago Serra(西班牙)、Melati Suryodarmo (印尼)等,分別談及18世紀的種性制度及移工等問題。



Alfredo Jaar《Fading (Version 2)》1992 

親身經歷 激勵創作


今回的《工餘》傳媒報導不少,菲藉的 Xyza Cruz Bacani 調子憂鬱的黑白攝影作品最受矚目,除了由半山區家傭銳變攝影師的勵志經歷,還因作品滲透一份異鄉人的落寞感,恰恰與當下的悲情氣氛刎合。
Xyza Cruz Bacani《Hong Kong in Mono》2012-2014 系列之一

另一位曾當過家傭的藝術家是印尼巴厘島的 Murni (1966-2006) ,她9歲時被親父性侵,加上當地女性地位低微,均無阻她自學繪畫而成名。作品大膽呈現兩性性徵,夾集於各媒體展品中別饒趣味。

I GAK Murniasih《當時就是那樣了(社會的不平等)》1998 



其實,菲律賓、印尼、尼泊爾等地輸出勞工至香港、新加坡、台灣、以色列等地,切身體驗促成了眾多創作意念,帶出淡淡傷感。如新加坡的陳小東在錄像中塑造了家傭版的伊美黛 (Imelda Marcos,港譯艾美黛),暗諷馬可斯年代(1965-86) 政權腐敗,唯有靠輸出傭工挽救經濟; 另一方面,能幹家傭寄錢回鄉,為子女供書教學,卻因聚少離多陌生疏離,生於馬尼拉的Poklong Anading,母親曾在香港工作11年,回國後不久病逝,2009年他憑母親過往寄回家的照片,專程來港尋覓亡母足跡拍成錄像,作品更加入觀眾投影參與;本地薑葉建邦《If You Miss Home》則透過外傭中介公司的面試片段,反映家傭對故鄉的思憶,當僱主不斷追問應徵者會否想家?答案愈多否定,教人愈覺荒謬。

陳小東《伊美黛到了新加坡》2006 

Poklong Anading《目鏡》2009 





著名策展人孟璐(Alexandra Munroe) 曾提過恩師 Martin Friedman (1961至1990明尼蘇達州Walker Art Centre總監)傳授策展秘笈,指出「策展就像搞一台戲」(an exhibition is like theatre),需要起承轉合,有開頭、中段、結尾,讓觀眾隨佈局移動,情緒被觸動,有哭有笑便最成功。

看鄭怡敏(阿金)受此展委托之作《在公園玩的小孩》,確令人會心微笑。事緣阿金見新來的家傭Marilyn悶悶不樂,便請她描述家鄉面貌,再以樸拙筆觸繪出悠閒的農村風光:屋子蓋在河邊,屋前是稻田,周圍種了芒果樹及番石榴樹,畫中還細心描繪出思念的親人和小孩,可見僱主心意,足可暫緩思鄉之情。


鄭怡敏(阿金)《在公園玩的小孩》2016 



Parasite作為非牟利藝術空間,近年多辦群展,好評不少,如大新月(2013) 及疫年日誌(2014) 更分別巡迴至東京及三藩市展出。期望日後有更多類似的群展,無需外遊也可觀賞如「雙年展」的展覽項目。


地點:
Parasite 藝術空間
香港鰂魚涌英皇道677號
榮華工業大廈22樓


日期:
至 29/5/2016